Un viaje creativo a través de 1 Hotel Melbourne

En 1 Hotel Melbourne, el arte no es una ocurrencia tardía, sino una filosofía. Arraigado en el concepto de regeneración, el programa artístico del hotel explora los ciclos de renovación, resistencia y transformación que dan forma tanto a la naturaleza como a la cultura. Construido en el cobertizo restaurado Goods Shed No.5, junto al río Yarra, el hotel se encuentra en una intersección única Melbourne : donde la industria se encuentra con el arte, donde el patrimonio abraza la innovación y donde el medio ambiente se convierte en inspiración y colaborador.
"La regeneración es un componente esencial de la experiencia del huésped, donde el arte y la hospitalidad se unen", afirma David Lee, de nuestros socios de Riverlee. "Nuestra dedicación al programa de arte refleja nuestro compromiso con la creación de experiencias significativas, donde la naturaleza, la cultura y el diseño se entrelazan".
Esa visión se convirtió en REGENERATION: The Art of Renewal, una colaboración curatorial entre Riverlee, One Design Office y DarkLab. Guiada por One Design Office como comisarios y diseñadores de interiores, la colección se configuró como una resistencia silenciosa al exceso, favoreciendo el alma sobre el espectáculo.
Fieles a la filosofía de 1 Hotels, cada obra de arte es específica del lugar, está elaborada de forma sostenible y arraigada en él. Entretejidas en el vestíbulo, el restaurante y los espacios para eventos, las instalaciones reflejan el compromiso de la marca con la narración local y el diseño reflexivo. Juntas, invitan a los huéspedes a reducir la velocidad, mirar más de cerca y volver a conectar con la tierra, la cultura y el espíritu 1 Hotel Melbourne.

Almas saladas de Vanessa Barragão

Este tapiz de lana de ricas texturas, obra de la artista portuguesa Vanessa Barragão, se inspira en las pozas rocosas y las formaciones de algas marinas de Victoria para recibir a los invitados en la recepción. Realizado totalmente a mano con ganchillo, fieltro y 60 kg de residuos textiles reciclados, este tapiz de rica textura rinde homenaje a los paisajes costeros de Victoria, evocando las formaciones de algas y las vibrantes pozas rocosas que definen la región. La artista portuguesa Vanessa Barragão bautizó la obra con el nombre de Almas saladas para evocar las impresiones duraderas que los paisajes y las experiencias dejan en nosotros, como la sal que se cristaliza con el tiempo.

Salted Souls se siente a la vez antigua y viva. Qué le atrajo de las texturas y ritmos de la costa de Victoria como punto de partida?

Aunque no visité Victoria durante mi viaje a Australia, me inspiraron mucho las fotos que vi de la costa. Los colores, las formas de las algas y los pequeños ecosistemas de las pozas estaban llenos de vida y movimiento. Me hicieron pensar en cómo el mar y la tierra cambian constantemente, pero conservan algo intemporal. Esa sensación se quedó conmigo. Salted Souls fue mi forma de conectar con esa parte de Australia, de mostrar cómo la naturaleza puede tocarnos profundamente, incluso desde lejos.

Su uso de materiales reciclados transforma los residuos en algo táctil e íntimo. Qué historias cree que pueden contar las fibras desechadas cuando se les da una segunda vida?

Creo que los materiales de desecho tienen una historia oculta. Se hicieron con un propósito y luego se olvidaron. Cuando trabajo con estos fibres y los introduzco en nuevas obras de arte, siento como si volviera a darles voz. Es una forma de demostrar que la belleza puede surgir de lo que desechamos. Estos materiales son portadores de historias de transformación. Demuestran que podemos crear con un propósito, respetando el mundo que nos rodea.

Síntesis de Jamie North

En el luminoso vestíbulo del hotel, las columnas de hormigón erosionado de Jamie North desdibujan la línea que separa la arquitectura de la escultura. Dos altísimas columnas de hormigón erosionado, escoria y plantas autóctonas reflejan los soportes estructurales del propio hotel, evocando un diálogo poético entre la forma construida y la regeneración natural. La crudeza de las barras de acero expuestas y la suavidad de la vida vegetal crean una meditación sensorial sobre el tiempo, la sostenibilidad y la adaptación, con plantas autóctonas australianas que siguen creciendo y reclamando gradualmente una mayor parte de la estructura, transformando la pieza continuamente con el paso del tiempo. 

Estas columnas parecen la memoria hecha material: envejecidas, enraizadas y vivas. Cómo pensó en el tiempo como colaborador en esta obra?

Time is an essential collaborator in all my work, but particularly with these columns. I think of them less as static objects and more as ongoing processes - structures that are incomplete without the slow, continuous influence of time. The materials themselves -concrete, blast furnace slag, native plants - already carry histories within them. They're fragments of ecological and industrial timelines.

Usted ha definido su trabajo como un "diálogo" entre arquitectura y naturaleza. Cómo fueron esas conversaciones mientras creaba Syntheses para este espacio?

En Syntheses, el diálogo entre la arquitectura y la naturaleza viene determinado tanto por el lugar como por los propios materiales. Este espacio en concreto tiene su propia memoria: fue un muelle en funcionamiento y ahora está cubierto de materiales reutilizados, tanto de los alrededores como de otros lugares. Esa historia material se convirtió en parte de la conversación, y yo quería que la obra respondiera a ella.

Las columnas son una especie de eco del lenguaje arquitectónico del lugar. Imitan directamente las columnas estructurales que se asientan junto a ellas, aunque las he erosionado escultóricamente y les he añadido complejidad, permitiendo que se animen con la vida vegetal. Reconocen el entorno construido al tiempo que permiten que algo orgánico persista y se afiance.

Paisajes suspendidos de Jamie North

En el restaurante del hotel, Jamie North vuelve con un separador de ambientes escultórico que parece más un paisaje vivo. Utilizando formas de hormigón moldeado hechas de una mezcla que incorpora escoria de altos hornos, ceniza de carbón y roca escoria, las formas de roca parecen flotar en el aire con plantas trepadoras que se establecen debajo, invitando al mundo natural a interactuar con el construido. Las enredaderas autóctonas se enroscan en los soportes de las barras de refuerzo, modificando el espacio a medida que crecen, en un silencioso y continuo acto de renovación.

Suspended Landscapes parece oscilar entre estados de peso e ingravidez, ruina y renovación. ¿Cómo encontró el equilibrio en esa tensión?

Paisaje suspendido consistía en mantener fuerzas opuestas en tensión, tanto material como conceptualmente. Las rocas de hormigón moldeado evocan masa, ruina y residuos industriales, pero al levantarlas sobre barras de refuerzo quedan suspendidas, momentáneamente ingrávidas. Esta contradicción es fundamental en la obra. No intentaba resolverla, sino darle forma, dejar que la escultura existiera en ese espacio cargado e intermedio. Las plantas son la clave. Al serpentear entre las rocas y el acero, introducen suavidad, fragilidad y tiempo. Vinculan y desestabilizan la composición. En esta ecología inestable, las rocas no son inertes, sino que encierran un potencial, no sólo como símbolos del derrumbe, sino como lugares de regeneración. Es en esta zona entre la ruina y la renovación, la pesadez y la suspensión, donde la obra empieza a sentirse viva.

¿Qué papel desempeña la transformación lenta (como el crecimiento de las vides autóctonas) en su proceso creativo?

Slow transformation is at the core of my creative process. In Suspended Landscape, and more broadly in my work, I’m not just creating static forms, I’m building sculptural systems designed to support plant life over time. The growth of native vines, for instance, isn’t an afterthought or embellishment; it’s integral to the work’s realisation. Their slow, unpredictable movement becomes a form of mark-making that activates and alters the sculpture long after it leaves the studio.
When I’m thinking through a sculpture, I try to shift perspective—to consider what the work needs from a non-human point of view. What conditions will allow the plants to take hold, to persist, to thrive? That kind of thinking transforms the sculptural process. It becomes less about imposing form and more about creating a structure that can accommodate growth, and change.

Milŋiyawuy - La Vía Láctea por Naminapu Maymuru-White

Junto a la escalera se alzan siete postes conmemorativos Larrakitj pintados a mano con pigmentos de tierra tradicionales Yolŋu. Su diseño celestial hace referencia a la Vía Láctea y a las líneas de canto ancestrales, conectando el cosmos con el Birrarung (río Yarra). Esta instalación tiende un puente entre el conocimiento indígena, la memoria espiritual y la narración de historias basadas en el lugar, sobre la base de guijarros de la Tierra de Arnhem. La instalación tiene una conexión espiritual con el país, y basa esta historia celestial tanto en el lugar como en la presencia.

¿Cómo aborda la creación de una obra que sea a la vez una ofrenda espiritual y una instalación pública contemporánea?

“These paintings show the sacred songs story about the establishment of my homeland Djarrakpi for the Maŋgalili clan in ancient times. This was given to me by my father, and he told me to hold it strong and to pass it on. This is what I have been doing. This is not just a pretty picture or a nice story. This is the truth. It is a reality for us. I am inspired every day by the beauty of the world around me and the stars themselves. I paint what is true. I feel this sacredness. I am painting to try and share that feeling with people who don’t know about it. I want them to feel how special this is.”

La aleta del rayo por Yhonnie Scarce

Suspendidos en el aire, 1.100 elementos de vidrio soplado brillan bajo una luz resplandeciente. Esta pieza etérea rinde homenaje a la migración de las angulas del mar al agua dulce del Birrarung, cuya resistencia y formas cambiantes encarnan la supervivencia y la transformación. La artista indígena Yhonnie Scarce recurre a sus profundos vínculos con el país y reflexiona sobre cómo los conocimientos tradicionales se adaptan y perduran en los paisajes modernos.

The Ray Fin capta la resistencia y el misterio de la anguila. ¿Qué quería que esta historia de migración despertara en los espectadores?

Es importante señalar cuánta actividad se desarrolla bajo la superficie de nuestros cursos de agua. La vida marina, como las angulas, recorre grandes distancias para llegar a su destino, enfrentándose a menudo a los desechos marinos, los depredadores y la industria pesquera.
Las angulas son criaturas resistentes que pasan desapercibidas cuando migran. Se adaptan a su entorno y pueden viajar por tierra una vez que maduran. Espero que los espectadores vean lo importantes que son y se hagan una idea de cómo la obra refleja los movimientos de un ser tan maravilloso. 

El vidrio es frágil y afilado a la vez. Cómo refleja esta elección material las historias y ecologías que suele explorar en su obra?

El vidrio suele considerarse un material frágil, pero creo que es un medio poderoso para representar a los aborígenes. El vidrio representa la resistencia, la belleza y la fuerza en mi trabajo. Al fin y al cabo, es lo que somos, es cómo practicamos la cultura y, a pesar de los efectos de la colonización, seguimos aquí.

Un ecosistema creativo arraigado en el lugar

El programa artístico 1 Hotel Melbourne refleja una ciudad conocida por su vanguardia creativa y su conciencia medioambiental. Pero más que eso, refleja una filosofía: que la belleza puede surgir de lo que se deja atrás, que la cultura es un sistema vivo y que la hospitalidad puede ser una forma de contar historias.

Cada obra de arte es un hilo en el tejido más amplio del hotel, una invitación a ver, sentir y pensar de manera diferente sobre los espacios que habitamos y el mundo que estamos ayudando a formar. En 1 Hotel Melbourne le invitamos a quedarse, relajarse y reconectar, no solo con nuestras paredes, sino con la tierra y las historias que les dan vida.