Uma viagem criativa através de 1 Hotel Melbourne

No 1 Hotel Melbourne, a arte não é uma ideia secundária, é uma filosofia. Baseado no conceito de regeneração, o programa de arte do hotel explora os ciclos de renovação, resiliência e transformação que moldam tanto a natureza como a cultura. Construído no interior do Goods Shed No. 5 restaurado, ao longo do rio Yarra, o hotel situa-se numa Melbourne única Melbourne : onde a indústria se encontra com a arte, onde o património abraça a inovação e onde o ambiente se torna tanto inspiração como colaborador. 
«A regeneração é um componente essencial da experiência dos hóspedes, onde a arte e a hospitalidade se unem», afirma David Lee, da nossa parceira Riverlee. «A nossa dedicação ao programa de arte reflete o nosso compromisso em criar experiências significativas, onde a natureza, a cultura e o design se entrelaçam.»
Essa visão tornou-se REGENERATION: The Art of Renewal, uma colaboração curatorial entre a Riverlee, a One Design Office e a DarkLab. Guiada pela One Design Office como curadora e designer de interiores, a coleção foi moldada como uma resistência silenciosa ao excesso, favorecendo a alma em detrimento do espetáculo.
Fiel ao espírito da 1 Hotels, cada obra de arte é específica do local, criada de forma sustentável e enraizada no local. Entrelaçadas pelo átrio, restaurante e espaços para eventos, as instalações refletem o compromisso da marca com a narrativa local e o design cuidadoso. Juntas, convidam os hóspedes a abrandar, olhar mais de perto e reconectar-se com a terra, a cultura e o espírito da 1 Hotel Melbourne.

Almas Salgadas, de Vanessa Barragão

A receber os convidados na receção, esta tapeçaria de lã ricamente texturizada da artista portuguesa Vanessa Barragão inspira-se nas piscinas naturais e nas formações de algas marinhas de Victoria. Totalmente feita à mão com croché, feltragem e 60 kg de resíduos têxteis reciclados, esta tapeçaria ricamente texturizada presta homenagem às paisagens costeiras de Victoria, evocando as formações de algas marinhas e as vibrantes piscinas naturais que caracterizam a região. A artista portuguesa Vanessa Barragão batizou a peça de Salted Souls (Almas Salgadas) para evocar as impressões duradouras que as paisagens e experiências deixam em nós, como o sal que cristaliza com o tempo.

Salted Souls parece antigo e vivo ao mesmo tempo. O que o atraiu nas texturas e ritmos da costa de Victoria como ponto de partida?

Embora não tenha visitado Victoria durante a minha viagem à Austrália, fiquei muito inspirada pelas fotos que vi da costa. As cores, as formas das algas e os pequenos ecossistemas nas piscinas naturais pareciam tão cheios de vida e movimento. Fizeram-me pensar em como o mar e a terra estão sempre a mudar, mas ainda assim mantêm algo intemporal. Esse sentimento ficou comigo. Salted Souls foi a minha maneira de me conectar com essa parte da Austrália, mostrando como a natureza pode nos tocar profundamente, mesmo à distância.

A sua utilização de materiais reciclados transforma resíduos em algo tátil e íntimo. Que histórias acha que as fibras descartadas podem contar quando recebem uma segunda vida?

Acho que os resíduos têm uma história oculta. Foram criados com um propósito e depois esquecidos. Quando trabalho com essas fibras e as transformo em novas obras de arte, sinto que estou a dar-lhes voz novamente. É uma forma de mostrar que a beleza pode surgir do que deitamos fora. Esses materiais carregam histórias de transformação. Mostram que podemos criar com propósito, respeitando o mundo à nossa volta.

Sínteses por Jamie North

No átrio luminoso do hotel, as colunas de betão erodido de Jamie North esbatem a linha entre a arquitetura e a escultura. Duas colunas imponentes de betão erodido, escória e plantas nativas refletem os suportes estruturais do próprio hotel, evocando um diálogo poético entre a forma construída e a regeneração natural. A crueza do vergalhão de aço exposto e a suavidade da vida vegetal criam uma meditação sensorial sobre o tempo, a sustentabilidade e a adaptação, com as plantas nativas australianas a continuarem a crescer e a ocupar gradualmente mais espaço na estrutura, transformando a peça continuamente ao longo do tempo. 

Essas colunas parecem memórias materializadas — desgastadas pelo tempo, enraizadas e vivas. Como você pensou sobre o tempo como colaborador neste trabalho?

O tempo é um colaborador essencial em all trabalho, mas particularmente nestas colunas. Eu penso nelas menos como objetos estáticos e mais como processos contínuos — estruturas que ficam incompletas sem a influência lenta e contínua do tempo. Os próprios materiais — betão, escória de alto-forno, plantas nativas — já carregam histórias dentro deles. São fragmentos de linhas temporais ecológicas e industriais.

Você chamou o seu trabalho de um «diálogo» entre a arquitetura e a natureza. Como foram essas conversas durante a criação de Syntheses para este espaço?

Em Syntheses, o diálogo entre a arquitetura e a natureza foi moldado tanto pelo local quanto pelos próprios materiais. Este espaço específico carrega a sua própria memória — outrora um cais em funcionamento, agora revestido com materiais reutilizados, tanto da região como de locais mais distantes. Essa história material tornou-se parte da conversa, e eu queria que o trabalho respondesse a isso.

As colunas são uma espécie de eco da linguagem arquitetónica do local. Elas imitam diretamente as colunas estruturais que se encontram ao lado delas, embora eu as tenha esculpido e adicionado complexidade, permitindo que elas se animem com a vida vegetal. Elas reconhecem o ambiente construído, ao mesmo tempo que permitem que algo orgânico persista e se fixe.

Paisagens suspensas, de Jamie North

No restaurante do hotel, Jamie North regressa com uma divisória escultural que mais parece uma paisagem viva. Utilizando formas de betão moldado feitas a partir de uma mistura que incorpora escória de alto-forno, cinzas de carvão e rocha escoriática, as formas rochosas parecem pairar no ar com plantas trepadeiras a estabelecerem-se por baixo, convidando o mundo natural a interagir com o mundo construído. Videiras nativas envolvem os suportes de vergalhões, transformando o espaço à medida que crescem — um ato silencioso e contínuo de renovação.

As paisagens suspensas parecem pairar entre dois estados: peso e leveza, ruína e renovação. Como encontrou o equilíbrio nessa tensão?

Suspended Landscape tratava de manter forças opostas em tensão — tanto material quanto conceitualmente. As rochas de betão moldado evocam massa, ruína e resíduos industriais, mas ao levantá-las com barras de reforço, elas ficam suspensas, momentaneamente sem peso. Essa contradição é central para a obra. Eu não estava a tentar resolvê-la, mas sim dar-lhe forma — permitir que a escultura existisse nesse espaço carregado, intermediário. As plantas são fundamentais para isso. Ao entrelaçarem-se nas rochas e no aço, elas introduzem suavidade, fragilidade e tempo. Elas unem e perturbam a composição. Nesta ecologia instável, as rochas não são inertes; elas carregam potencial — não apenas como símbolos de colapso, mas como locais de regeneração. É nesta zona entre ruína e renovação, peso e suspensão, que a obra começa a parecer viva.

Que papel a transformação lenta (como o crescimento das videiras nativas) desempenha no seu processo criativo?

A transformação lenta está no centro do meu processo criativo. Em Suspended Landscape, e de forma mais ampla no meu trabalho, não estou apenas a criar formas estáticas, estou a construir sistemas esculturais concebidos para sustentar a vida vegetal ao longo do tempo. O crescimento de trepadeiras nativas, por exemplo, não é uma reflexão tardia ou um embelezamento; é parte integrante da realização da obra. O seu movimento lento e imprevisível torna-se uma forma de marcação que ativa e altera a escultura muito tempo depois de ela sair do estúdio.
Quando estou a pensar numa escultura, try perspetiva — considerar o que a obra precisa de um ponto de vista não humano. Que condições permitirão que as plantas se fixem, persistam e prosperem? Esse tipo de pensamento transforma o processo escultórico. Torna-se menos uma questão de impor uma forma e mais uma questão de criar uma estrutura que possa acomodar o crescimento e a mudança.

Milŋiyawuy – A Via Láctea, por Naminapu Maymuru-White

Sete postes memoriais Larrakitj pintados à mão erguem-se ao lado da escadaria, pintados com pigmentos tradicionais Yolŋu. O seu desenho celestial faz referência à Via Láctea e às canções ancestrais, ligando o cosmos ao Birrarung (rio Yarra). Esta instalação faz a ponte entre o conhecimento indígena, a memória espiritual e a narrativa baseada no local, fundamentada em seixos da Terra de Arnhem. A instalação mantém uma ligação espiritual com o país, fundamentando esta história celestial tanto no lugar como na presença.

Como você aborda a criação de um trabalho que é tanto uma oferta espiritual quanto uma instalação pública contemporânea?

«Estas pinturas mostram a história das canções sagradas sobre a fundação da minha terra natal, Djarrakpi, para o clã Maŋgalili nos tempos antigos. Isto foi-me dado pelo meu pai, que me disse para o guardar com carinho e transmiti-lo. É isso que tenho feito. Não se trata apenas de uma imagem bonita ou de uma história agradável. É a verdade. É uma realidade para nós. Sou inspirado todos os dias pela beleza do mundo à minha volta e pelas próprias estrelas. Pinto o que é verdadeiro. Sinto essa sacralidade. Pinto para try partilhar esse sentimento com pessoas que não o conhecem. Quero que sintam o quão especial isto é.»

The Ray Fin, de Yhonnie Scarce

Suspensos no teto, 1.100 elementos de vidro soprados à mão brilham sob a luz refletida. Esta peça etérea homenageia a migração das enguias de vidro do mar para as águas doces do Birrarung, cuja resiliência e formas mutáveis simbolizam a sobrevivência e a transformação. A artista indígena Yhonnie Scarce inspira-se nas suas profundas ligações com o país, refletindo sobre como o conhecimento tradicional se adapta e perdura nas paisagens modernas.

O Ray Fin capta a resiliência e o mistério da enguia. O que pretendia que esta história de migração despertasse nos espectadores?

É importante notar quanta atividade ocorre sob a superfície dos nossos cursos de água. A vida marinha, como as enguias-de-vidro, viaja grandes distâncias para chegar ao seu destino, muitas vezes lidando com detritos marinhos, predadores e a indústria pesqueira.
As enguias-de-vidro são criaturas resilientes e «voam» sob o radar quando migram, e eu fico completamente maravilhada com a sua genialidade. Elas adaptam-se ao ambiente e podem viajar por terra quando amadurecem. Espero que os espectadores possam ver a importância delas e perceber como a obra de arte reflete os movimentos de um ser tão maravilhoso. 

O vidro é frágil e cortante. Como é que a escolha deste material reflete as histórias e ecologias que frequentemente explora no seu trabalho?

O vidro é frequentemente visto como um material frágil, mas acho que é um meio poderoso para representar os povos aborígenes. O vidro representa resiliência, beleza e força no trabalho que produzo. No final das contas, é quem nós somos, é como praticamos a nossa cultura e, apesar de lidarmos com os efeitos contínuos da colonização, ainda estamos aqui.

Um ecossistema criativo enraizado no local

O programa de arte do 1 Hotel Melbourne uma cidade conhecida pela sua vanguarda criativa e consciência ambiental. Mas, mais do que isso, reflete uma filosofia: que a beleza pode emergir do que é deixado para trás, que a cultura é um sistema vivo e que a hospitalidade pode ser uma forma de contar histórias.

Cada obra de arte é um fio na grande trama do hotel — um convite para ver, sentir e pensar de forma diferente sobre os espaços que habitamos e o mundo que ajudamos a moldar. No 1 Hotel Melbourne, convidamo-lo a ficar, desacelerar e reconectar-se — não apenas com as nossas paredes, mas com a terra e as histórias que lhes dão vida.