Un viaggio creativo attraverso 1 Hotel Melbourne

1 Hotel Melbourne, l'arte non è un ripensamento, è una filosofia. Radicato nel concetto di rigenerazione, il programma artistico dell'hotel esplora i cicli di rinnovamento, resilienza e trasformazione che plasmano sia la natura che la cultura. Costruito all'interno del Goods Shed No.5 restaurato lungo il fiume Yarra, l'hotel sorge in un Melbourne unico Melbourne : dove l'industria incontra l'arte, dove il patrimonio abbraccia l'innovazione e dove l'ambiente diventa sia fonte di ispirazione che collaboratore. 
"La rigenerazione è una componente essenziale dell'esperienza degli ospiti, dove l'arte e l'ospitalità si fondono", afferma David Lee dei nostri partner di Riverlee. "La nostra dedizione al programma artistico riflette il nostro impegno nel creare esperienze significative, dove natura, cultura e design si intrecciano".
Questa visione è diventata REGENERATION: The Art of Renewal, una collaborazione curatoriale tra Riverlee, One Design Office e DarkLab. Guidata da One Design Office sia come curatori che come interior designer, la collezione è stata concepita come una silenziosa resistenza all'eccesso, privilegiando l'anima allo spettacolo.
Fedele alla filosofia di 1 Hotels, ogni opera d'arte è site-specific, realizzata in modo sostenibile e radicata nel luogo. Intessute nella hall, nel ristorante e negli spazi per eventi, le installazioni riflettono l'impegno del marchio nella narrazione locale e nel design accurato. Insieme, invitano gli ospiti a rallentare, guardare più da vicino e riconnettersi con la terra, la cultura e lo spirito di 1 Hotel Melbourne.

Anime salate di Vanessa Barragão

Accogliendo gli ospiti alla reception, questo arazzo in lana dalla ricca trama dell'artista portoghese Vanessa Barragão trae ispirazione dalle pozze rocciose e dalle formazioni di alghe di Victoria. Realizzato interamente a mano utilizzando uncinetto, infeltrimento e 60 kg di scarti tessili riciclati, questo arazzo dalla ricca trama rende omaggio ai paesaggi costieri di Victoria, evocando le formazioni di alghe e le vivaci pozze rocciose che caratterizzano la regione. L'artista portoghese Vanessa Barragão ha intitolato l'opera Salted Souls per evocare le impressioni durature che i paesaggi e le esperienze lasciano in noi, come il sale che cristallizza nel tempo.

Salted Souls trasmette un senso di antichità e vitalità allo stesso tempo. Cosa ti ha attratto delle texture e dei ritmi della costa di Victoria come punto di partenza?

Anche se durante il mio viaggio in Australia non ho visitato Victoria, sono rimasta molto colpita dalle foto che ho visto della costa. I colori, le forme delle alghe e i piccoli ecosistemi nelle pozze rocciose mi sono sembrati così pieni di vita e movimento. Mi hanno fatto riflettere su come il mare e la terra siano in continuo cambiamento, ma conservino comunque qualcosa di eterno. Quella sensazione mi è rimasta impressa. Salted Souls è stato il mio modo di entrare in contatto con quella parte dell'Australia, mostrando come la natura possa toccarci profondamente, anche da lontano.

Il tuo utilizzo di materiali riciclati trasforma i rifiuti in qualcosa di tangibile e intimo. Quali storie pensi che possano raccontare le fibre scartate quando viene loro data una seconda vita?

Penso che i materiali di scarto abbiano una storia nascosta. Sono stati creati con uno scopo, poi dimenticati. Quando lavoro con queste fibre e le utilizzo per creare nuove opere d'arte, mi sembra di ridare loro voce. È un modo per dimostrare che la bellezza può nascere da ciò che buttiamo via. Questi materiali racchiudono storie di trasformazione. Dimostrano che possiamo creare con uno scopo, rispettando il mondo che ci circonda.

Sintesi di Jamie North

Nella luminosa hall dell'hotel, le colonne in cemento eroso di Jamie North sfumano il confine tra architettura e scultura. Due imponenti colonne di cemento eroso, scorie e piante autoctone rispecchiano i supporti strutturali dell'hotel stesso, evocando un dialogo poetico tra la forma costruita e la rigenerazione naturale. La crudezza del tondino di acciaio a vista e la morbidezza della vita vegetale creano una meditazione sensoriale sul tempo, la sostenibilità e l'adattamento, con le piante autoctone australiane che continuano a crescere e a rivendicare gradualmente una parte sempre maggiore della struttura, trasformando l'opera continuamente nel tempo. 

Queste colonne sembrano ricordi materializzati: consumati dal tempo, radicati e vivi. Come hai considerato il tempo come collaboratore in questo lavoro?

Il tempo è un collaboratore essenziale in all lavoro, ma in particolare in queste colonne. Le considero meno come oggetti statici e più come processi in corso, strutture incomplete senza l'influenza lenta e continua del tempo. I materiali stessi - cemento, scorie di altoforno, piante autoctone - portano già con sé una storia. Sono frammenti di linee temporali ecologiche e industriali.

Hai definito il tuo lavoro un "dialogo" tra architettura e natura. Come sono state queste conversazioni durante la creazione di Syntheses per questo spazio?

In Syntheses, il dialogo tra architettura e natura è stato plasmato tanto dal sito quanto dai materiali stessi. Questo spazio particolare porta con sé la propria memoria: un tempo era un molo funzionante, ora è ricoperto da materiali riutilizzati provenienti sia dalla zona circostante che da più lontano. Quella storia materiale è diventata parte della conversazione e volevo che l'opera rispondesse a ciò.

Le colonne sono una sorta di eco del linguaggio architettonico del sito. Imitano direttamente le colonne strutturali che si trovano accanto a loro, anche se le ho scolpite e ho aggiunto complessità, permettendo loro di essere animate dalla vita vegetale. Riconoscono l'ambiente costruito, consentendo al contempo a qualcosa di organico di persistere e prendere piede.

Paesaggi sospesi di Jamie North

Nel ristorante dell'hotel, Jamie North torna con un divisorio scultoreo che sembra più un paesaggio vivente. Utilizzando forme in calcestruzzo colato realizzate con una miscela che incorpora scorie di altoforno, ceneri di carbone e roccia scoriaca, le pietre sembrano librarsi a mezz'aria con piante rampicanti che si insediano al di sotto, invitando il mondo naturale a interagire con quello costruito. Viti autoctone si avvolgono attorno ai supporti in tondino di ferro, trasformando lo spazio man mano che crescono: un atto di rinnovamento silenzioso e continuo.

I paesaggi sospesi sembrano librarsi tra due stati: peso e assenza di peso, rovina e rinnovamento. Come hai trovato l'equilibrio in questa tensione?

Suspended Landscape riguardava il mantenimento di forze opposte in tensione, sia materialmente che concettualmente. Le rocce in cemento colato evocano massa, rovina e residui industriali, ma sollevandole su barre di rinforzo si ottiene un effetto di sospensione, momentaneamente senza peso. Questa contraddizione è centrale nell'opera. Non stavo cercando di risolverla, ma di darle forma, di lasciare che la scultura esistesse in quello spazio carico e intermedio. Le piante sono fondamentali in questo senso. Avvolgendosi attorno alle rocce e all'acciaio, introducono morbidezza, fragilità e tempo. Legano e allo stesso tempo interrompono la composizione. In questa ecologia instabile, le rocce non sono inerti, ma portatrici di potenziale, non solo come simboli di collasso, ma come luoghi di rigenerazione. È in questa zona tra rovina e rinnovamento, pesantezza e sospensione, che l'opera inizia a sembrare viva.

Che ruolo gioca la trasformazione lenta (come la crescita delle viti autoctone) nel tuo processo creativo?

La trasformazione lenta è al centro del mio processo creativo. In Suspended Landscape, e più in generale nel mio lavoro, non mi limito a creare forme statiche, ma costruisco sistemi scultorei progettati per sostenere la vita delle piante nel tempo. La crescita delle viti autoctone, ad esempio, non è un ripensamento o un abbellimento, ma è parte integrante della realizzazione dell'opera. Il loro movimento lento e imprevedibile diventa una forma di marcatura che attiva e altera la scultura molto tempo dopo che ha lasciato lo studio.
Quando penso a una scultura, try cambiare prospettiva, di considerare ciò di cui l'opera ha bisogno da un punto di vista non umano. Quali condizioni permetteranno alle piante di attecchire, di persistere, di prosperare? Questo tipo di pensiero trasforma il processo scultoreo. Non si tratta più tanto di imporre una forma, quanto piuttosto di creare una struttura in grado di accogliere la crescita e il cambiamento.

Milŋiyawuy – La Via Lattea di Naminapu Maymuru-White

Sette pali commemorativi Larrakitj dipinti a mano si ergono accanto alla scalinata, realizzati con i tradizionali pigmenti terrestri Yolŋu. Il loro disegno celeste fa riferimento alla Via Lattea e alle canzoni ancestrali, collegando il cosmo al Birrarung (fiume Yarra). Questa installazione collega la conoscenza indigena, la memoria spirituale e la narrazione legata al luogo, fondata sui ciottoli della terra di Arnhem. L'installazione mantiene un legame spirituale con il Paese, radicando questa storia celeste sia nel luogo che nella presenza.

Come affronti la creazione di un'opera che sia al tempo stesso un'offerta spirituale e un'installazione pubblica contemporanea?

“Questi dipinti raccontano la storia sacra della fondazione della mia terra natale, Djarrakpi, per il clan Maŋgalili nei tempi antichi. Mi è stata tramandata da mio padre, che mi ha detto di custodirla con cura e di trasmetterla. È quello che ho fatto. Non si tratta solo di un bel quadro o di una bella storia. È la verità. È la nostra realtà. Ogni giorno traggo ispirazione dalla bellezza del mondo che mi circonda e dalle stelle stesse. Dipingo ciò che è vero. Sento questa sacralità. Dipingo per try condividere questa sensazione con persone che non la conoscono. Voglio che capiscano quanto sia speciale”.

La pinna di Yhonnie Scarce

Sospesi sopra le nostre teste, 1.100 elementi in vetro soffiato a mano brillano alla luce riflessa. Quest'opera eterea rende omaggio alla migrazione delle anguille di vetro dal mare alle acque dolci del Birrarung, la cui resilienza e mutevolezza incarnano la sopravvivenza e la trasformazione. L'artista indigena Yhonnie Scarce attinge al suo profondo legame con la terra, riflettendo su come la conoscenza tradizionale si adatti e sopravviva nei paesaggi moderni.

Ray Fin cattura la resilienza e il mistero dell'anguilla. Cosa volevi suscitare negli spettatori con questa storia di migrazione?

È importante notare quanta attività si svolge sotto la superficie dei nostri corsi d'acqua. Gli organismi marini come le anguille di vetro percorrono grandi distanze per raggiungere la loro destinazione, spesso affrontando detriti marini, predatori e l'industria della pesca.
Le anguille cieche sono creature resistenti e "volano" sotto il radar durante la migrazione e sono completamente affascinata dalla loro genialità. Si adattano all'ambiente circostante e possono viaggiare sulla terraferma una volta raggiunta la maturità. Spero che gli spettatori possano rendersi conto di quanto siano importanti e percepire come l'opera d'arte rifletta i movimenti di questi esseri meravigliosi. 

Il vetro è un materiale fragile e tagliente. In che modo questa scelta riflette le storie e le ecologie che spesso esplori nel tuo lavoro?

Il vetro è spesso considerato un materiale fragile, ma credo che sia un mezzo potente per rappresentare il popolo aborigeno. Il vetro rappresenta la resilienza, la bellezza e la forza nelle opere che realizzo. In fin dei conti, è ciò che siamo, è il modo in cui viviamo la nostra cultura e, nonostante gli effetti persistenti della colonizzazione, siamo ancora qui.

Un ecosistema creativo radicato nel territorio

Il programma artistico 1 Hotel Melbourne una città nota per la sua creatività e la sua sensibilità ambientale. Ma oltre a questo, riflette una filosofia: che la bellezza può emergere da ciò che viene lasciato indietro, che la cultura è un sistema vivente e che l'ospitalità può essere una forma di narrazione.

Ogni opera d'arte è un filo nel tessuto più ampio dell'hotel, un invito a vedere, sentire e pensare in modo diverso gli spazi che abitiamo e il mondo che contribuiamo a plasmare. 1 Hotel Melbourne vi invitiamo a soggiornare, rallentare e riconnettersi, non solo con le nostre mura, ma con la terra e le storie che danno loro vita.