Un voyage créatif à travers 1 Hotel Melbourne

Au 1 Hotel Melbourne, l'art n'est pas une réflexion après coup, c'est une philosophie. Enraciné dans le concept de régénération, le programme artistique de l'hôtel explore les cycles de renouvellement, de résilience et de transformation qui façonnent à la fois la nature et la culture. Construit dans le hangar à marchandises n° 5 restauré le long de la rivière Yarra, l'hôtel se trouve à un carrefour unique à Melbourne : là où l'industrie rencontre l'art, où le patrimoine embrasse l'innovation et où l'environnement devient à la fois une source d'inspiration et un collaborateur.
"La régénération est un élément essentiel de l'expérience des clients, là où l'art et l'hospitalité se rejoignent", déclare David Lee, de nos partenaires à Riverlee. "Notre dévouement au programme artistique reflète notre engagement à créer des expériences significatives, où la nature, la culture et le design s'entremêlent."
Cette vision a donné naissance à REGENERATION : The Art of Renewal, une collaboration entre Riverlee, One Design Office et DarkLab. Guidée par One Design Office, à la fois conservateur et architecte d'intérieur, la collection a été conçue comme une résistance discrète à l'excès, privilégiant l'âme au spectacle.
Fidèle à l'éthique de 1 Hotels, chaque œuvre d'art est spécifique à un site, fabriquée de manière durable et ancrée dans le lieu. Les installations, réparties dans le hall, les restaurants et les espaces événementiels, reflètent l'engagement de la marque en faveur d'une narration locale et d'un design réfléchi. Ensemble, elles invitent les clients à ralentir, à regarder de plus près et à se reconnecter à la terre, à la culture et à l'esprit du 1 Hotel Melbourne.

Les âmes salées de Vanessa Barragão

Accueillant les invités à la réception, cette tapisserie en laine richement texturée de l'artiste portugaise Vanessa Barragão s'inspire des bassins rocheux et des formations d'algues de Victoria. Réalisée entièrement à la main au crochet, au feutre et avec 60 kg de déchets textiles recyclés, cette tapisserie richement texturée rend hommage aux paysages côtiers de Victoria, en évoquant les formations d'algues et les bassins de roches vibrantes qui caractérisent la région. L'artiste portugaise Vanessa Barragão a baptisé l'œuvre Salted Souls (âmes salées) pour évoquer les impressions durables que les paysages et les expériences laissent sur nous, comme le sel qui se cristallise avec le temps.

Salted Souls semble à la fois ancien et vivant. Qu'est-ce qui vous a attiré vers les textures et les rythmes de la côte de Victoria comme point de départ ?

Même si je n'ai pas visité l'État de Victoria lors de mon voyage en Australie, j'ai été très inspirée par les photos que j'ai vues du littoral. Les couleurs, les formes des algues et les petits écosystèmes des bassins rocheux étaient pleins de vie et de mouvement. Elles m'ont fait penser à la façon dont la mer et la terre changent constamment, tout en conservant quelque chose d'intemporel. Ce sentiment m'est resté. Salted Souls était ma façon de me connecter à cette partie de l'Australie et de montrer comment la nature peut nous toucher profondément, même de loin.

Votre utilisation de matériaux recyclés transforme les déchets en quelque chose de tactile et d'intime. Quelles histoires pensez-vous que les fibres jetées peuvent raconter lorsqu'on leur donne une seconde vie ?

Je pense que les déchets ont une histoire cachée. Ils ont été fabriqués dans un but précis, puis oubliés. Lorsque je travaille avec ces fibres et que je les intègre dans de nouvelles œuvres d'art, j'ai l'impression de leur redonner une voix. C'est une façon de montrer que la beauté peut venir de ce que nous jetons. Ces matériaux sont porteurs d'histoires de transformation. Ils montrent que nous pouvons créer dans un but précis, en respectant le monde qui nous entoure.

Synthèses de Jamie North

Dans le hall d'entrée lumineux de l'hôtel, les colonnes en béton érodé de Jamie North brouillent la frontière entre l'architecture et la sculpture. Deux colonnes imposantes de béton érodé, de scories et de plantes indigènes reflètent les supports structurels de l'hôtel lui-même, évoquant un dialogue poétique entre la forme construite et la régénération naturelle. La crudité des barres d'armature en acier exposées et la douceur des plantes créent une méditation sensorielle sur le temps, la durabilité et l'adaptation. Les plantes australiennes continuent à pousser et à s'approprier progressivement la structure, transformant l'œuvre en permanence au fil du temps. 

Ces colonnes donnent l'impression d'être un matériau de mémoire, à la fois usé par les intempéries, enraciné et vivant. Comment avez-vous envisagé le temps en tant que collaborateur dans ce travail ?

Le temps est un collaborateur essentiel dans tout mon travail, mais particulièrement avec ces colonnes. Je les considère moins comme des objets statiques que comme des processus continus - des structures incomplètes sans l'influence lente et continue du temps. Les matériaux eux-mêmes - béton, scories de haut fourneau, plantes indigènes - portent déjà en eux des histoires. Ce sont des fragments de calendriers écologiques et industriels.

Vous avez qualifié votre travail de "dialogue" entre l'architecture et la nature. Comment se sont déroulées ces conversations lors de la création de Synthèses pour cet espace ?

Dans Synthèses, le dialogue entre l'architecture et la nature a été façonné autant par le site que par les matériaux eux-mêmes. Cet espace particulier porte sa propre mémoire - un ancien quai en activité, aujourd'hui recouvert de matériaux réutilisés provenant à la fois des environs et de plus loin. Cette histoire matérielle est devenue un élément de la conversation, et je voulais que l'œuvre y réponde.

Les colonnes sont une sorte d'écho au langage architectural du site. Elles imitent directement les colonnes structurelles qui se trouvent à côté d'elles, mais je les ai érodées de manière sculpturale et j'y ai ajouté de la complexité, ce qui leur permet d'être animées par la vie végétale. Elles reconnaissent l'environnement bâti tout en permettant à quelque chose d'organique de persister et de s'installer.

Paysages suspendus par Jamie North

Dans le restaurant de l'hôtel, Jamie North revient avec une cloison sculpturale qui ressemble davantage à un paysage vivant. À l'aide de formes en béton coulé fabriquées à partir d'un mélange de laitier de haut fourneau, de cendres de charbon et de scories, les pierres semblent planer dans l'air et les plantes grimpantes s'installent en dessous, invitant le monde naturel à interagir avec le monde bâti. Des vignes indigènes s'enroulent autour de supports en barres d'armature, modifiant l'espace au fur et à mesure de leur croissance - un acte de renouvellement silencieux et continu.

Les paysages suspendus semblent osciller entre le poids et l'apesanteur, la ruine et le renouveau. Comment avez-vous trouvé l'équilibre dans cette tension ?

Suspended Landscape (Paysage suspendu) a pour but de maintenir des forces opposées en tension, tant sur le plan matériel que conceptuel. Les rochers en béton moulé évoquent la masse, la ruine et les résidus industriels, mais le fait de les soulever sur des barres d'armature les laisse planer, momentanément en état d'apesanteur. Cette contradiction est au cœur de l'œuvre. Je n'essayais pas de la résoudre, mais de lui donner forme, de permettre à la sculpture d'exister dans cet espace chargé et intermédiaire. Les plantes sont essentielles à cet égard. En serpentant entre les rochers et l'acier, elles introduisent la douceur, la fragilité et le temps. Elles lient et perturbent à la fois la composition. Dans cette écologie instable, les rochers ne sont pas inertes ; ils sont porteurs de potentiel, non seulement en tant que symboles de l'effondrement, mais aussi en tant que sites de régénération. C'est dans cette zone entre la ruine et le renouveau, la lourdeur et la suspension, que l'œuvre commence à se sentir vivante.

Quel rôle la transformation lente (comme la croissance des vignes indigènes) joue-t-elle dans votre processus créatif ?

La transformation lente est au cœur de mon processus créatif. Dans Suspended Landscape, et plus généralement dans mon travail, je ne me contente pas de créer des formes statiques, je construis des systèmes sculpturaux conçus pour soutenir la vie végétale au fil du temps. La croissance des vignes indigènes, par exemple, n'est pas une réflexion après coup ou un embellissement ; elle fait partie intégrante de la réalisation de l'œuvre. Leur mouvement lent et imprévisible devient une forme de marquage qui active et modifie la sculpture longtemps après qu'elle a quitté l'atelier.
Lorsque je réfléchis à une sculpture, j'essaie de changer de perspective, de considérer ce dont l'œuvre a besoin d'un point de vue non humain. Quelles sont les conditions qui permettront aux plantes de s'implanter, de persister, de prospérer ? Ce type de réflexion transforme le processus de sculpture. Il s'agit moins d'imposer une forme que de créer une structure capable de s'adapter à la croissance et au changement.

Milŋiyawuy - La voie lactée par Naminapu Maymuru-White

Sept poteaux commémoratifs Larrakitj peints à la main s'élèvent à côté de l'escalier, rendus avec des pigments de terre traditionnels Yolŋu. Leur dessin céleste fait référence à la Voie lactée et aux lignes de chant ancestrales, reliant le cosmos au Birrarung (fleuve Yarra). Cette installation fait le lien entre le savoir indigène, la mémoire spirituelle et la narration basée sur le lieu, en s'appuyant sur des galets de la Terre d'Arnhem. L'installation entretient un lien spirituel avec le pays, ancrant cette histoire céleste à la fois dans le lieu et dans la présence.

Comment abordez-vous la création d'une œuvre qui est à la fois une offrande spirituelle et une installation publique contemporaine ?

"Ces peintures illustrent l'histoire des chants sacrés sur la création de ma patrie, Djarrakpi, par le clan Maŋgalili dans les temps anciens. C'est mon père qui me l'a donnée et il m'a dit de la conserver précieusement et de la transmettre. C'est ce que j'ai fait. Il ne s'agit pas seulement d'une belle image ou d'une belle histoire. C'est la vérité. C'est une réalité pour nous. Je suis inspirée chaque jour par la beauté du monde qui m'entoure et par les étoiles elles-mêmes. Je peins ce qui est vrai. Je ressens ce caractère sacré. Je peins pour essayer de partager ce sentiment avec les gens qui ne le connaissent pas. Je veux qu'ils sentent à quel point c'est spécial".

The Ray Fin par Yhonnie Scarce

Suspendus au-dessus de la tête, 1 100 éléments en verre soufflé à la main scintillent sous l'effet de la lumière. Cette œuvre éthérée rend hommage à la migration des civelles de la mer vers l'eau douce du Birrarung, dont la résilience et les formes changeantes incarnent la survie et la transformation. L'artiste autochtone Yhonnie Scarce s'appuie sur ses liens profonds avec le pays, réfléchissant à la manière dont les connaissances traditionnelles s'adaptent et perdurent dans les paysages modernes.

The Ray Fin capture la résilience et le mystère de l'anguille. Que vouliez-vous que cette histoire de migration éveille chez les spectateurs ?

Il est important de noter toute l'activité qui se déroule sous la surface de nos cours d'eau. Les animaux marins comme les civelles parcourent de grandes distances pour atteindre leur destination, et doivent souvent faire face aux débris marins, aux prédateurs et à l'industrie de la pêche.
Les civelles sont des créatures résistantes qui passent inaperçues lors de leur migration. Elles s'adaptent à leur environnement et peuvent se déplacer sur terre une fois adultes. J'espère que les spectateurs verront à quel point elles sont importantes et qu'ils auront une idée de la façon dont l'œuvre d'art reflète les mouvements d'un être aussi merveilleux. 

Le verre est à la fois fragile et tranchant. En quoi le choix de ce matériau reflète-t-il les histoires et les écologies que vous explorez souvent dans votre travail ?

Le verre est souvent considéré comme un matériau fragile, mais je pense qu'il s'agit d'un support puissant pour représenter les peuples autochtones. Le verre représente la résilience, la beauté et la force dans les œuvres que je produis. En fin de compte, c'est ce que nous sommes, c'est la façon dont nous pratiquons la culture et, malgré les effets persistants de la colonisation, nous sommes toujours là.

Un écosystème créatif enraciné dans le lieu

Le programme artistique du 1 Hotel Melbourne est le reflet d'une ville connue pour sa créativité et sa conscience environnementale. Mais plus encore, il reflète une philosophie : la beauté peut émerger de ce qui est laissé derrière soi, la culture est un système vivant et l'hospitalité peut être une forme de narration.

Chaque œuvre d'art est un fil conducteur dans le tissu plus large de l'hôtel, une invitation à voir, sentir et penser différemment les espaces que nous habitons et le monde que nous contribuons à façonner. Au 1 Hotel Melbourne, nous vous invitons à rester, à ralentir et à vous reconnecter, non seulement avec nos murs, mais aussi avec la terre et les histoires qui leur donnent vie.