Melbourne 1 Hotel 巡るクリエイティブな旅

1 Hotel Melbourne、アートは余分なものではなく、哲学です。再生のコンセプトに根ざした当ホテルのアートプログラムは、自然と文化の両方を形作る、再生、回復、変容のサイクルを探求しています。ヤラ川沿いに復元されたGoods Shed No.5の中に建てられたこのホテルは、Melbourne ならではの交差点に立っている。産業と芸術が出会い、伝統が革新を受け入れ、環境がインスピレーションと協力者の両方になる場所だ。
「再生は、アートとホスピタリティが一体となったゲストの体験に不可欠な要素です」と、リヴァーリーのパートナー、デイヴィッド・リーは言う。「アート・プログラムへの私たちの献身は、自然、文化、デザインが絡み合う有意義な体験を創造するという私たちのコミットメントを反映しています」。
そのビジョンが、リヴァーレ、ワン・デザイン・オフィス、ダークラボのキュレーション・コラボレーションによる「リジェネレーション：再生のアート」となった。キュレーターでありインテリアデザイナーでもあるOne Design Officeの指導のもと、コレクションは過剰なものに対する静かな抵抗として形作られ、スペクタクルよりもソウルを優先した。
1 Hotels理念に忠実に、それぞれのアートワークはその場所に特化し、持続可能な方法で作られ、その場所に根ざしている。ロビー、レストラン、イベントスペースに配置されたインスタレーションは、地元に根ざしたストーリーテリングと心のこもったデザインへのブランドのコミットメントを反映しています。1 Hotel Melbourne土地、文化、そして精神と、ゲストの皆様がゆっくりと目を凝らし、つながりを取り戻すよう誘います。

塩漬けの魂 by ヴァネッサ・バラガン

ポルトガル人アーティスト、ヴァネッサ・バラガンによるこの豊かな質感のウール・タペストリーは、ビクトリアの岩礁と海藻からインスピレーションを得ている。かぎ針編み、フェルト、60kgのリサイクル繊維くずを使い、すべて手作業で作られたこの豊かな質感のタペストリーは、ビクトリアの海岸風景に敬意を表し、この地域の特徴である海藻の地層や鮮やかな岩だまりを連想させる。ポルトガル人アーティストのヴァネッサ・バラガオは、風景や経験が私たちに残す、時を経て結晶化する塩のような永続的な印象を想起させるため、この作品を「Salted Souls（塩漬けの魂）」と名付けた。

Salted Souls』には、古代と現代の両方が感じられる。ビクトリア州の海岸線の質感とリズムに惹かれたのはなぜですか？

オーストラリア旅行中にビクトリア州を訪れることはなかったが、海岸線の写真を見てとても刺激を受けた。色、海藻の形、岩だまりの中の小さな生態系は、生命と動きに満ちあふれているように感じた。海と陸地は常に変化しているけれど、それでも時代を超越した何かを持っているということを考えさせられた。その感覚は私の中に残った。Salted Souls』は、遠く離れていても、自然がいかに私たちに深い感動を与えてくれるかを示す、オーストラリアのその部分とつながるための私の方法だった。

あなたのアップサイクル素材の使用は、廃棄物を触覚的で親密なものに変える。廃棄された繊維に第二の人生を与えることで、どのようなストーリーが生まれると思いますか？

廃棄物には隠されたストーリーがあると思う。それらは目的を持って作られ、そして忘れ去られた。これらの廃材を使って新しい作品を作るとき、それは廃材に再び声を与えるような気がします。それは、私たちが捨ててしまうものからも美が生まれることを示す方法なのです。これらの素材には変容の物語があります。これらの素材は、私たちが周囲の世界を尊重し、目的を持って創造することができることを示しているのです。

ジェイミー・ノースのシンセシス

光あふれるホテルのロビーでは、ジェイミー・ノースの侵食されたコンクリートの柱が、建築と彫刻の境界線を曖昧にしている。侵食されたコンクリート、スラグ、自生植物からなる2本の柱は、ホテル自体の構造的な支柱を映し出し、建造物の形態と自然の再生との間の詩的な対話を呼び起こす。むき出しになった鉄筋の生々しさと植物の柔らかさが、時間、持続可能性、適応に関する感覚的な瞑想を生み、オーストラリア原産の植物が成長し続け、徐々に構造体の大部分を占めるようになり、時間の経過とともに作品が絶えず変化していく。 

これらの柱は、風化し、根を張り、生きている、記憶を素材にしたもののように感じられる。この作品の共同制作者として、時間についてどのように考えましたか？

時間は、私のすべての作品において不可欠な協力者であるが、特にこれらの柱についてはそうである。私は、柱を静的なオブジェとしてではなく、進行中のプロセス、つまり時間のゆっくりとした継続的な影響なしには不完全な構造体として考えている。コンクリート、高炉スラグ、自生する植物など、素材そのものがすでに歴史を持っている。それらは生態系や産業のタイムラインの断片なのだ。

あなたは自分の作品を建築と自然の「対話」と呼んでいます。この空間のために「シンセシス」を制作している間、そのような対話はどのようなものだったのでしょうか？

Syntheses』では、建築と自然との対話は、素材そのものだけでなく、敷地によっても形作られた。この特別な空間は、かつて現役の波止場であったという記憶を持ち、現在は近隣や遠方から再利用された材料で覆われている。その物質的な歴史が対話の一部となり、私は作品にそれに応えることを望んだ。

この柱は、この場所の建築言語のエコーのようなものだ。柱と並んでいる構造的な柱をそのまま模倣しているが、私はそれらを彫刻的に侵食し、複雑さを加えることで、植物の生命によって動かされるようにしている。有機的なものを持続させ、定着させることを可能にしながら、建築環境を認めているのだ。

吊るされた風景 by ジェイミー・ノース

ホテルのレストランでは、ジェイミー・ノースが、まるで生きている風景のような彫刻的な間仕切りで戻ってきた。高炉スラグ、石炭灰、スコリア岩を混ぜて作られたコンクリート打ちっぱなしの型枠を使い、石の型枠が宙に浮いているように見える。自生のつる植物が鉄筋の支柱に巻きつき、成長するにつれて空間を変化させる。

吊るされた風景は、重さと無重力、廃墟と再生といった状態の間を漂っているように見える。その緊張感の中で、どのようにバランスをとったのですか？

サスペンデッド・ランドスケープ」は、物質的にも概念的にも、相反する力を緊張状態に保つことをテーマにしている。コンクリート打ちっぱなしの岩は、塊、廃墟、産業残滓を連想させるが、鉄筋で持ち上げると、一瞬無重力になってホバリングする。この矛盾が作品の中心です。私はそれを解決しようとしたのではなく、彫刻がその帯電した中間的な空間に存在するように、形にしようとしたのです。そのためには植物が鍵となる。岩や鉄の間を縫うように、柔らかさ、儚さ、時間をもたらしている。植物は構図を束ね、また乱す。この不安定な生態系において、岩は不活性ではなく、崩壊の象徴としてだけでなく、再生の場としての可能性を秘めている。廃墟と再生、重苦しさと宙吊りの間のこのゾーンで、作品は生きていると感じ始めるのだ。

あなたの創作プロセスにおいて、（自生するブドウの木の成長のような）ゆっくりとした変化はどのような役割を果たしますか？

ゆっくりとした変容は、私の創作プロセスの核心である。サスペンデッド・ランドスケープ』では、そしてもっと広く私の作品では、ただ静的なフォルムを作っているのではなく、長い時間をかけて植物の生命を支えるように設計された彫刻システムを構築している。例えば、自生しているつる植物の成長は、後付けや装飾ではなく、作品の実現に不可欠なものなのだ。そのゆっくりとした予測不可能な動きは、スタジオを出た後も彫刻を活性化させ、変化させるマーク・メイキングの一形態となる。
彫刻について考えるとき、私は視点を変えて、人間以外の視点から作品に何が必要かを考えるようにしている。植物を定着させ、持続させ、繁茂させるにはどんな条件が必要なのか。そう考えることで、彫刻のプロセスが変わってくる。形を押し付けるのではなく、成長や変化に対応できるような構造を作ることが重要になる。

Milŋiyawuy - 天の川 by Naminapu Maymuru-White

階段の脇には、伝統的なヨールブルーの土の顔料で描かれた7本の手描きのララキット記念柱が立っている。その天空のデザインは、天の川と先祖伝来のソングラインを参照し、宇宙とビラルン（ヤラ川）をつないでいる。このインスタレーションは、先住民の知識、スピリチュアルな記憶、そしてアーネム・ランドの小石を土台とした場所に根ざしたストーリーテリングの架け橋となっている。このインスタレーションは、カントリーとのスピリチュアルなつながりを持ち、この天空の物語を場所と存在の両方に根付かせている。

精神的な供え物であり、現代的な公共インスタレーションでもある作品を、どのように制作しているのですか？

「これらの絵は、古代のマハルガリリ一族が私の祖国ジャラクピを建国したときの神聖な歌の物語を描いたものです。これは父から譲り受けたもので、強く持ち、受け継ぐようにと言われました。私はそうしてきた。これは単なるきれいな絵やいい話ではない。これは真実だ。私たちにとって現実なのだ。私は毎日、私の周りの世界の美しさと星そのものからインスピレーションを受けている。私は真実のものを描く。私はこの神聖さを感じる。私はその感覚を、それを知らない人々と分かち合おうとして絵を描いている。これがどれだけ特別なことなのかを感じてもらいたいんだ」。

レイ・フィン by イホニー・スカーチ

頭上に吊るされた1,100個の手吹きガラスのエレメントが、きらめく光に照らされる。この幽玄な作品は、シラスウナギが海からビラルン川の淡水へと移動したことに敬意を表したもので、その回復力と変幻自在のフォルムは、生存と変容を体現している。先住民アーティストのイホニー・スカーシーは、国との深いつながりをもとに、伝統的な知識が現代の風景の中でどのように適応し、存続しているかを考察している。

レイ・フィン』はウナギの回復力と神秘性をとらえている。この回遊物語は、観る者の何を呼び覚ましたかったのですか？

水路の水面下でどれだけの活動が行われているかに注目することは重要である。 シラスウナギのような海の生物は、目的地に到達するために長距離を移動し、しばしば海洋ゴミや捕食者、漁業と向き合っている。
シラスウナギは回復力のある生き物で、回遊しているときはレーダーの下を「飛び」、私はその輝きに畏敬の念を抱く。 彼らは周囲の環境に適応し、成熟すれば陸上を移動することができる。見る人が、彼らがいかに重要な存在であるかを理解し、このような素晴らしい存在の動きをどのように作品に反映させているかを感じ取ってくれることを願っている。 

ガラスは壊れやすく鋭利です。この素材の選択は、あなたが作品の中でしばしば探求する歴史や生態系をどのように映し出しているのでしょうか？

ガラスは壊れやすい素材と思われがちですが、アボリジニの人々を表現するための力強い媒体だと思います。 私が制作する作品の中で、ガラスは回復力、美しさ、強さを表現しています。結局のところ、それが私たちであり、私たちがどのように文化を実践しているかであり、植民地化の影響が続いているにもかかわらず、私たちはまだここにいるのです。

場所に根ざした創造的エコシステム

1 Hotel Melbourne アートプログラムは、クリエイティブなエッジと環境意識の高さで知られるこの街を反映している。しかしそれ以上に、残されたものから美が生まれること、文化は生きたシステムであること、そしてホスピタリティは物語の一形態であり得るという哲学を反映している。

それぞれのアートワークは、ホテルの大きな布の中の一本の糸であり、私たちが住む空間や、私たちが形作る手助けをしている世界について、違った見方、感じ方、考え方をするよう誘うものです。1 Hotel Melbourne、滞在し、ゆっくりとくつろぎ、壁だけでなく、そこに生命を吹き込む土地や物語と再びつながるよう、皆様をご招待します。