1 Hotel Melbourne 통한 창의적인 여행

1 Hotel Melbourne 예술은 부차적인 요소가 아닌 철학 그 자체입니다. 재생이라는 개념에 뿌리를 둔 호텔의 예술 프로그램은 자연과 문화를 형성하는 재생, 회복력, 변혁의 순환을 탐구합니다. 야라 강변에 위치한 복원된 굿즈 셰드 5호(Goods Shed No.5) 안에 자리한 이 호텔은 Melbourne 독특한 Melbourne 서 있습니다: 산업과 예술이 만나는 곳, 유산이 혁신을 포용하는 곳, 환경이 영감이자 협력자가 되는 곳입니다. 
리버리의 데이비드 리는 "재생은 예술과 환대가 어우러지는 게스트 경험의 핵심 요소"라며 "이 예술 프로그램에 대한 우리의 헌신은 자연, 문화, 디자인이 교차하는 의미 있는 경험을 창조하겠다는 의지를 반영합니다"라고 말합니다.
이러한 비전은 리버리, 원 디자인 오피스, 다크랩의 큐레이터 협업으로 탄생한 '재생: 재창조의 예술( REGENERATION: The Art of Renewal)'로 구현되었습니다. 원 디자인 오피스가 큐레이터이자 인테리어 디자이너로서 주도한 이 컬렉션은 과잉에 대한 조용한 저항으로, 화려함보다 영혼을 중시하는 방향으로 구성되었습니다.
1 Hotels 정신에 충실히, 각 작품은 장소 특정적이며 지속 가능하게 제작되고 그 지역에 뿌리를 두고 있습니다. 로비, 레스토랑, 이벤트 공간을 가로지르는 설치 작품들은 브랜드의 지역적 스토리텔링과 사려 깊은 디자인에 대한 헌신을 반영합니다. 이 작품들은 함께 손님들에게 속도를 늦추고, 더 가까이 들여다보며, 1 Hotel Melbourne 땅, 문화, 정신과 다시 연결되도록 초대합니다.

소금에 절인 영혼들 바네사 바라가오

리셉션에서 손님을 맞이하는 이 풍부한 질감의 울 태피스트리는 포르투갈 예술가 바네사 바라가우의 작품으로, 빅토리아주의 바위 웅덩이와 해초 군락에서 영감을 얻었습니다. 크로셰 뜨개질, 펠팅 기법, 그리고 60kg의 업사이클링된 섬유 폐기물을 사용하여 전적으로 수작업으로 제작된 이 태피스트리는 빅토리아주의 해안 풍경을 기리며, 이 지역을 상징하는 해초 군락과 생동감 넘치는 바위 웅덩이를 연상시킵니다. 포르투갈 예술가 바네사 바라가오는 이 작품을 '소금에 절인 영혼들(Salted Souls)'이라 명명했습니다. 이는 풍경과 경험이 우리에게 남기는 지속적인 인상을, 시간이 지나며 결정화되는 소금처럼 표현하기 위함입니다.

소금에 절인 영혼들은 고대적이면서도 생생하게 느껴집니다. 빅토리아 해안선의 질감과 리듬을 출발점으로 삼게 된 이유는 무엇인가요?

호주 여행 중 빅토리아를 방문하지는 않았지만, 해안선 사진을 보고 큰 영감을 받았습니다. 색채와 해초의 형태, 바위 웅덩이의 작은 생태계는 생기와 움직임으로 가득 차 있었습니다. 바다와 땅이 끊임없이 변하면서도 영원함을 간직하고 있다는 생각이 들었습니다. 그 감정은 제 마음속에 오래 남았습니다. <소금에 절인 영혼들>은 바로 그 호주와 연결되는 나의 방식이었어요. 멀리 떨어져 있어도 자연이 우리를 깊이 감동시킬 수 있음을 보여주는 방법이었죠.

재활용 소재를 활용함으로써 폐기물을 촉감이 느껴지고 친밀한 무언가로 변모시킵니다. 버려진 섬유들이 두 번째 생명을 얻었을 때 어떤 이야기를 들려줄 수 있을까요?

폐기물에는 숨겨진 이야기가 있다고 생각합니다. 이것들은 목적을 가지고 만들어졌지만, 결국 잊혀졌습니다. 제가 이 섬유들을 다루어 새로운 작품으로 재탄생시킬 때면, 그것들에게 다시 목소리를 주는 것 같은 기분이 듭니다. 우리가 버리는 것에서도 아름다움이 탄생할 수 있음을 보여주는 방식이죠. 이 재료들은 변형의 이야기를 담고 있습니다. 우리가 주변 세계를 존중하며 목적을 가지고 창조할 수 있음을 보여줍니다.

제이미 노스의 종합

호텔의 밝은 로비에서 제이미 노스의 침식된 콘크리트 기둥들은 건축과 조각의 경계를 모호하게 만든다. 부식된 콘크리트, 슬래그, 토종 식물로 이루어진 두 개의 우뚝 선 기둥은 호텔 자체의 구조적 지지대를 반영하며, 인공 구조물과 자연 재생 사이의 시적인 대화를 불러일으킨다. 노출된 철근의 거친 질감과 식물의 부드러움은 시간, 지속 가능성, 적응에 대한 감각적 명상을 이끌어내며, 호주 토종 식물들이 계속 자라 구조물을 점차 차지해 가면서 시간이 지남에 따라 작품을 지속적으로 변화시킨다. 

이 기둥들은 마치 기억이 물질화된 듯한 느낌을 줍니다—풍화되고 뿌리내리며 살아 숨 쉬는 듯합니다. 이 작업에서 시간이라는 요소를 협력자로 어떻게 생각하셨나요?

시간은 all 작업에서 필수적인 협력자이지만, 특히 이 기둥들에서는 더욱 그러하다. 나는 이들을 정적인 대상이라기보다 지속적인 과정으로, 즉 시간의 느리고 지속적인 영향 없이는 완성될 수 없는 구조물로 생각한다. 재료 자체—콘크리트, 고로 슬래그, 토종 식물—는 이미 그 안에 역사를 품고 있다. 이들은 생태학적·산업적 시간선의 파편들이다.

당신은 자신의 작업을 건축과 자연의 '대화'라고 표현하셨습니다. 이 공간을 위한 'Syntheses'를 창조하는 과정에서 그런 대화들은 어떤 모습이었나요?

《Syntheses》에서 건축과 자연의 대화는 재료 자체만큼이나 현장의 특성에 의해 형성되었다. 이 특별한 공간은 그 자체의 기억을 간직하고 있다—한때 운영되던 부두였으며, 지금은 인근과 먼 곳에서 가져온 재활용 재료들이 층을 이루고 있다. 그 재료의 역사가 대화의 일부가 되었고, 나는 작품이 그에 응답하기를 원했다.

기둥들은 이 장소의 건축적 언어를 반영한 형태다. 그들은 바로 옆에 있는 구조용 기둥들을 직접 모방하지만, 나는 조각적으로 그 형태를 침식시키고 복잡성을 더해 식물 생명에 의해 생동감 넘치게 만들었다. 이들은 건축 환경을 인정하면서도 유기적인 무엇이 지속되고 자리 잡을 수 있도록 허용한다.

제이미 노스의 정지된 풍경들

호텔 레스토랑에서 제이미 노스는 살아 숨 쉬는 풍경 같은 조각적 공간 분할 장치를 선보인다. 고로 슬래그, 석탄재, 스코리아 암석을 혼합한 주조 콘크리트 형태를 사용해 바위 형태가 공중에 떠 있는 듯한 느낌을 주며, 그 아래로 덩굴식물이 자리 잡아 자연 세계가 인공 구조물과 교감하도록 유도한다. 토종 덩굴이 철근 지지대를 감싸며 자라면서 공간을 변화시키는데, 이는 조용히 지속되는 재생의 행위다.

공중에 떠 있는 풍경들은 무게와 무중력, 파멸과 재생 사이의 경계에 머무르는 듯합니다. 그 긴장 속에서 어떻게 균형을 찾았나요?

공중에 매달린 풍경은 물질적·개념적으로 상반된 힘들을 긴장 상태로 유지하는 작업이었다. 주조 콘크리트 바위는 질량과 폐허, 산업 잔재를 연상시키지만, 철근 위에 올려놓음으로써 일시적으로 무중력 상태로 공중에 떠 있게 한다. 이 모순이 작품의 핵심이다. 나는 이를 해결하려 한 것이 아니라 형태를 부여하려 했다—조각이 그 긴장된 중간 공간에 존재하도록 하기 위해서다. 식물들이 이를 위한 핵심 요소다. 바위와 강철 사이로 뻗어 나가는 식물들은 부드러움, 취약함, 시간을 도입한다. 이들은 구성을 묶기도 하고 깨뜨리기도 한다. 이 불안정한 생태계에서 바위들은 무기물이 아니다. 잠재력을 지닌 존재다—단순히 붕괴의 상징이 아니라 재생의 장소로서. 폐허와 재생, 무거움과 공중부양 사이의 이 경계 지대에서야 비로소 작품은 생명을 느끼기 시작한다.

천천히 변하는 것(예: 토종 덩굴의 성장)이 창작 과정에서 어떤 역할을 하나요?

느린 변형은 제 창작 과정의 핵심입니다. 에서, 그리고 더 넓게는 제 작업 전반에서 저는 단순히 정적인 형태를 창조하는 것이 아니라 시간이 지남에 따라 식물 생명을 지탱하도록 설계된 조각적 시스템을 구축합니다. 예를 들어 토종 덩굴의 성장은 사후 고려나 장식적 요소가 아닙니다. 이는 작품의 실현에 필수적인 요소입니다. 그들의 느리고 예측 불가능한 움직임은 작업실이 떠난 후에도 오랫동안 조각을 활성화하고 변화시키는 일종의 흔적 남기기 방식이 됩니다.
조각을 구상할 때 저는 관점을 try 합니다—작품이 비인간적 시각에서 무엇을 필요로 하는지 고려하는 try . 식물이 뿌리내리고, 지속하며, 번성할 수 있는 조건은 무엇일까요? 이러한 사고방식은 조각 과정을 변화시킵니다. 형태를 강요하는 것보다 성장과 변화를 수용할 수 있는 구조를 창조하는 데 더 초점을 맞추게 됩니다.

밀니야위 – 은하수 (나미나푸 마이무루-화이트)

계단 옆으로 일곱 개의 손으로 그린 라라키치 기념 기둥이 우뚝 서 있습니다. 전통 요루족의 흙 안료로 제작된 이 기둥들의 천상의 디자인은 은하수와 조상의 노래길을 연상시키며, 우주를 비라룽(야라 강)과 연결합니다. 이 설치 작품은 원주민 지식, 영적 기억, 장소 기반 스토리텔링을 아넘랜드의 자갈로 기반을 잡아 연결합니다. 이 설치물은 대지와의 영적 연결을 유지하며, 이 천상의 이야기를 장소와 존재감 모두에 뿌리내리게 합니다.

영적 헌신이자 현대적 공공 설치 작품인 작품을 어떻게 접근하시나요?

이 그림들은 고대 시절 망갈리리 부족을 위한 나의 고향 자락피의 창설에 관한 신성한 노래 이야기를 보여줍니다. 이것은 아버지께서 저에게 주셨으며, 굳게 지키고 전하라고 말씀하셨습니다. 이것이 제가 해온 일입니다. 이것은 단순히 예쁜 그림이나 아름다운 이야기가 아닙니다. 이것은 진실입니다. 우리에게는 현실입니다. 저는 매일 주변 세상의 아름다움과 별들 자체로부터 영감을 받습니다. 저는 진실을 그립니다. 이 신성함을 느낍니다. 저는 그 감정을 모르는 사람들과 try 그림을 그립니다. 그들이 이것이 얼마나 특별한지 느끼길 바랍니다."

레이 핀 작자: 요니 스카스

공중에 매달린 1,100개의 수제 유리 조각들이 반짝이는 빛 속에서 은은하게 빛난다. 이 신비로운 작품은 바다에서 비라룽 강(Birrarung)의 담수 지역으로 이동하는 유리장어의 여정을 기리며, 그들의 회복력과 형태 변화는 생존과 변혁을 상징한다. 원주민 예술가 요니 스카스는 대지(Country)와의 깊은 유대를 바탕으로, 전통적 지식이 현대적 풍경 속에서 어떻게 적응하고 지속되는지 성찰한다.

레이 핀은 장어의 회복력과 신비로움을 담아냅니다. 이 이동 이야기가 관객들에게 어떤 감정을 불러일으키길 바라셨나요?

우리 수로 표면 아래에서 얼마나 많은 활동이 일어나는지 주목할 필요가 있습니다. 유리장어 같은 해양 생물들은 목적지에 도달하기 위해 먼 거리를 이동하며, 종종 해양 쓰레기, 포식자, 어업과 맞서 싸워야 합니다.
유어는 회복력이 뛰어난 생물로, 이동 시 레이더를 피해 '날아다니듯' 이동합니다. 저는 그들의 놀라운 능력에 완전히 경외감을 느낍니다. 주변 환경에 적응하며 성체로 성장하면 육상에서도 이동할 수 있습니다. 관람객들이 이들의 중요성을 깨닫고, 이 놀라운 생물의 움직임을 작품이 어떻게 반영하는지 느낄 수 있기를 바랍니다. 

유리는 깨지기 쉬우면서도 날카롭습니다. 이 재료 선택이 당신의 작품에서 자주 탐구하는 역사와 생태계를 어떻게 반영합니까?

유리는 흔히 취약한 재료로 여겨지지만, 저는 원주민을 표현하는 강력한 매체라고 생각합니다. 제가 제작하는 작품에서 유리는 회복력, 아름다움, 그리고 강인함을 상징합니다. 결국 그것은 우리의 정체성이며, 우리가 문화를 실천하는 방식입니다. 식민화의 지속적인 영향과 맞서면서도 우리는 여전히 여기 존재합니다.

장소에 뿌리내린 창의적 생태계

Melbourne 1 Hotel 예술 프로그램은 창의성과 환경 의식으로 유명한 이 도시의 정체성을Melbourne . 그러나 그 이상으로, 이는 한 가지 철학을 드러냅니다: 버려진 것들 속에서 아름다움이 탄생할 수 있으며, 문화는 살아 숨 쉬는 체계이며, 환대는 이야기 전달의 한 형태가 될 수 있다는 철학입니다.

각 작품은 호텔이라는 거대한 직물 속 한 가닥 실과 같습니다. 우리가 머무는 공간과 함께 만들어가는 세상에 대해 다르게 보고, 느끼고, 생각하도록 초대하는 것입니다. 1 Hotel Melbourne 여러분을 초대합니다. 머물며 속도를 늦추고, 단순히 우리의 벽뿐만 아니라 그 벽에 생명을 불어넣는 땅과 이야기와도 다시 연결되시길 바랍니다.