En kreativ rejse gennem 1 Hotel iMelbourne

På 1 Hotel Melbourne er kunst ikke en eftertanke, det er en filosofi. Hotellets kunstprogram er forankret i begrebet fornyelse og udforsker de cyklusser af fornyelse, modstandsdygtighed og transformation, der former både natur og kultur. Hotellet er bygget i den restaurerede Goods Shed No.5 langs Yarra-floden og står i et unikt Melbourne : hvor industri møder kunst, hvor arv omfavner innovation, og hvor miljøet bliver både inspiration og samarbejdspartner.
"Regenerering er en vigtig del af gæsteoplevelsen, hvor kunst og gæstfrihed mødes", siger David Lee fra vores partnere på Riverlee. "Vores dedikation til kunstprogrammet afspejler vores engagement i at skabe meningsfulde oplevelser, hvor natur, kultur og design flettes sammen."
Den vision blev til REGENERATION: The Art of Renewal, et kuratorisk samarbejde mellem Riverlee, One Design Office og DarkLab. Vejledt af One Design Office som både kuratorer og indretningsarkitekter blev kollektionen formet som en stille modstand mod overdrivelse, der favoriserer sjæl frem for skuespil.
I overensstemmelse med 1 Hotels' etos er hvert kunstværk stedsspecifikt, bæredygtigt udformet og forankret i stedet. Installationerne er vævet ind i lobbyen, restauranten og eventområderne og afspejler brandets engagement i lokal historiefortælling og gennemtænkt design. Sammen inviterer de gæsterne til at sætte farten ned, se nærmere på og genskabe forbindelsen til landet, kulturen og ånden på 1 Hotel Melbourne

Saltede sjæle af Vanessa Barragão

Dette rigt strukturerede uldtapet af den portugisiske kunstner Vanessa Barragão byder gæsterne velkommen i receptionen og henter inspiration fra Victorias klippebassiner og tangformationer. Dette rigt strukturerede billedtæppe, der er fremstillet helt i hånden ved hjælp af hækling, filtning og 60 kg upcyclet tekstilaffald, er en hyldest til Victorias kystlandskaber og fremkalder de tangformationer og livlige klippebassiner, der kendetegner regionen. Den portugisiske kunstner Vanessa Barragão har kaldt værket Salted Souls for at fremkalde de varige indtryk, som landskaber og oplevelser efterlader i os, ligesom salt, der krystalliserer over tid.

Salted Souls føles både gammel og levende. Hvad fik dig til at vælge teksturerne og rytmerne i Victorias kystlinje som dit udgangspunkt?

Selv om jeg ikke besøgte Victoria på min rejse til Australien, blev jeg virkelig inspireret af de billeder, jeg så af kystlinjen. Farverne, tangens former og de små økosystemer i klippebassinerne føltes så fulde af liv og bevægelse. De fik mig til at tænke på, hvordan hav og land altid er i forandring, men stadig rummer noget tidløst. Den følelse blev hos mig. Salted Souls var min måde at forbinde mig med den del af Australien og vise, hvordan naturen kan berøre os dybt, selv på lang afstand.

Din brug af upcyclede materialer forvandler affald til noget taktilt og intimt. Hvilke historier tror du, at kasserede fibre kan fortælle, når de får et nyt liv?

Jeg tror, at affaldsmaterialer har en skjult historie. De blev lavet med et formål og derefter glemt. Når jeg arbejder med disse materialer og bringer dem ind i nye kunstværker, føles det som at give dem en stemme igen. Det er en måde at vise, at der kan komme skønhed ud af det, vi smider væk. Disse materialer bærer på historier om forvandling. De viser, at vi kan skabe med et formål og respektere verden omkring os.

Synteser af Jamie North

I hotellets lysfyldte lobby udvisker Jamie Norths eroderede betonsøjler grænsen mellem arkitektur og skulptur. To tårnhøje søjler af eroderet beton, slagger og indfødte planter spejler selve hotellets bærende konstruktioner og fremkalder en poetisk dialog mellem den byggede form og den naturlige regenerering. Råheden i det blottede armeringsjern og blødheden i plantelivet skaber en sanselig meditation over tid, bæredygtighed og tilpasning, hvor indfødte australske planter fortsætter med at vokse og gradvist gør krav på mere af strukturen og forvandler værket løbende over tid. 

Disse søjler føles som hukommelse gjort til materiale - forvitret, rodfæstet og levende. Hvordan tænkte du på tid som samarbejdspartner i dette værk?

Tiden er en vigtig samarbejdspartner i alt mit arbejde, men især med disse søjler. Jeg ser dem mindre som statiske objekter og mere som igangværende processer - strukturer, der er ufuldstændige uden tidens langsomme, kontinuerlige indflydelse. Selve materialerne - beton, højovnsslagger, indfødte planter - bærer allerede en historie i sig. De er fragmenter af økologiske og industrielle tidslinjer.

Du har kaldt dit arbejde for en "dialog" mellem arkitektur og natur. Hvordan var de samtaler, da du skabte Syntheses til dette rum?

I Syntheses blev dialogen mellem arkitektur og natur formet lige så meget af stedet som af selve materialerne. Dette særlige sted bærer på sin egen hukommelse - det var engang en arbejdskaj, som nu er fyldt med genbrugte materialer fra både nærheden og længere væk. Den materielle historie blev en del af samtalen, og jeg ønskede, at værket skulle reagere på det.

Søjlerne er en slags ekko af stedets arkitektoniske sprog. De efterligner direkte de strukturelle søjler, der står ved siden af dem, men jeg har udhulet dem skulpturelt og tilføjet kompleksitet, så de kan blive animeret af planteliv. De anerkender det byggede miljø, samtidig med at de giver mulighed for, at noget organisk kan fortsætte og få fodfæste.

Suspenderede landskaber af Jamie North

I hotellets restaurant vender Jamie North tilbage med en skulpturel rumdeler, der føles mere som et levende landskab. Ved hjælp af støbte betonformer lavet af en blanding af højovnsslagge, kulaske og scoria-sten ser stenene ud til at svæve i luften, mens klatreplanter etablerer sig nedenunder og inviterer den naturlige verden til at interagere med den byggede. Indfødte slyngplanter vikler sig rundt om armeringsjern og ændrer rummet, efterhånden som de vokser - en stille, løbende fornyelse.

Suspended Landscapes synes at svæve mellem tilstande - vægt og vægtløshed, ødelæggelse og fornyelse. Hvordan fandt du balance i den spænding?

Suspended Landscape handlede om at holde modsatrettede kræfter i spænd - både materielt og konceptuelt. De støbte betonsten fremkalder masse, ruin og industrielle rester, men når de løftes på armeringsjern, svæver de et øjeblik vægtløse. Den modsigelse er central for værket. Jeg forsøgte ikke at løse den, men at give den form - at lade skulpturen eksistere i det ladede mellemrum. Planterne er nøglen til dette. Når de snor sig gennem stenene og stålet, introducerer de blødhed, skrøbelighed og tid. De både binder og forstyrrer kompositionen. I denne ustabile økologi er klipperne ikke inaktive; de har potentiale - ikke bare som symboler på sammenbrud, men som steder, hvor der kan ske en fornyelse. Det er i denne zone mellem ødelæggelse og fornyelse, tyngde og suspension, at værket begynder at føles levende.

Hvilken rolle spiller langsom transformation (som væksten af indfødte vinstokke) i din kreative proces?

Langsom transformation er kernen i min kreative proces. I Suspended Landscape og mere generelt i mit arbejde skaber jeg ikke bare statiske former, jeg bygger skulpturelle systemer, der er designet til at understøtte plantelivet over tid. Væksten af indfødte vinstokke er f.eks. ikke en eftertanke eller udsmykning; den er en integreret del af værkets realisering. Deres langsomme, uforudsigelige bevægelse bliver en form for markering, der aktiverer og ændrer skulpturen, længe efter at den har forladt atelieret.
Når jeg tænker over en skulptur, forsøger jeg at skifte perspektiv - at overveje, hvad værket har brug for set fra et ikke-menneskeligt synspunkt. Hvilke forhold vil gøre det muligt for planterne at få fodfæste, blive ved med at eksistere og trives? Den slags tanker forvandler den skulpturelle proces. Det handler mindre om at påtvinge en form og mere om at skabe en struktur, der kan rumme vækst og forandring.

Milŋiyawuy - Mælkevejen af Naminapu Maymuru-White

Ved siden af trappen rejser sig syv håndmalede Larrakitj-mindepæle, der er malet med traditionelle Yolŋu-jordpigmenter. Deres himmelske design refererer til Mælkevejen og forfædrenes sanglinjer, der forbinder kosmos med Birrarung (Yarra-floden). Denne installation bygger bro mellem oprindelig viden, åndelig hukommelse og stedsbaseret historiefortælling med udgangspunkt i småsten fra Arnhem Land. Installationen har en spirituel forbindelse til Country og forankrer denne himmelske historie i både sted og tilstedeværelse.

Hvordan griber du det an at skabe et værk, der både er et spirituelt tilbud og en moderne offentlig installation?

"Disse malerier viser historien om de hellige sange om etableringen af mit hjemland Djarrakpi for Maŋgalili-klanen i gamle dage. Jeg fik den af min far, og han sagde, at jeg skulle holde fast i den og give den videre. Det er det, jeg har gjort. Det er ikke bare et smukt billede eller en god historie. Det er sandheden. Det er en realitet for os. Jeg bliver hver dag inspireret af skønheden i verden omkring mig og af stjernerne selv. Jeg maler det, der er sandt. Jeg føler denne hellighed. Jeg maler for at prøve at dele den følelse med folk, der ikke kender til den. Jeg vil have dem til at føle, hvor specielt det er."

Strålefinnen af Yhonnie Scarce

Hængt op over hovedet skinner 1.100 mundblæste glaselementer i det blanke lys. Dette æteriske værk hylder glasålens vandring fra havet til ferskvandet i Birrarung, hvis modstandsdygtighed og formskiftende former er udtryk for overlevelse og transformation. Den oprindelige kunstner Yhonnie Scarce trækker på dybe forbindelser til landet og reflekterer over, hvordan traditionel viden tilpasser sig og holder ud i moderne landskaber.

The Ray Fin fanger ålens modstandsdygtighed og mystik. Hvad ville du have, at denne migrationshistorie skulle vække i seerne?

Det er vigtigt at bemærke, hvor meget aktivitet der foregår under overfladen af vores vandveje. Havdyr som glasålene tilbagelægger store afstande for at nå frem til deres bestemmelsessted og må ofte kæmpe med havaffald, rovdyr og fiskeindustrien.
Glasålene er modstandsdygtige væsener og "flyver" under radaren, når de migrerer, og jeg er fuldstændig betaget af deres glans. De tilpasser sig deres omgivelser og kan rejse på land, når de bliver voksne. Jeg håber, at seerne kan se, hvor vigtige de er, og at de får en fornemmelse af, hvordan kunstværket afspejler bevægelserne hos sådan et vidunderligt væsen. 

Glas er både skrøbeligt og skarpt. Hvordan afspejler dette materialevalg de historier og økologier, du ofte udforsker i dit arbejde?

Glas ses ofte som et skrøbeligt materiale, men jeg synes, det er et stærkt medie til at repræsentere aboriginere. Glas repræsenterer modstandsdygtighed, skønhed og styrke i de værker, jeg laver. Når alt kommer til alt, er det, hvem vi er, det er den måde, vi praktiserer kultur på, og på trods af at vi kæmper med de vedvarende virkninger af koloniseringen, er vi her stadig.

Et kreativt økosystem med rødder i stedet

Kunstprogrammet på 1 Hotel Melbourne afspejler en by, der er kendt for sin kreative kant og miljøbevidsthed. Men mere end det afspejler det en filosofi: at skønhed kan opstå fra det, der er efterladt, at kultur er et levende system, og at gæstfrihed kan være en form for historiefortælling.

Hvert kunstværk er en tråd i hotellets større struktur - en invitation til at se, føle og tænke anderledes om de rum, vi bor i, og den verden, vi er med til at forme. På 1 Hotel Melbourne inviterer vi dig til at blive, sætte farten ned og genoprette forbindelsen - ikke bare med vores vægge, men med det land og de historier, der giver dem liv.