En kreativ rejse gennem 1 Hotel iMelbourne

På 1 Hotel Melbourne er kunst ikke en eftertanke, det er en filosofi. Hotellets kunstprogram er forankret i begrebet fornyelse og udforsker de cyklusser af fornyelse, modstandsdygtighed og transformation, der former både natur og kultur. Hotellet er bygget i den restaurerede Goods Shed No.5 langs Yarra-floden og står i et unikt Melbourne : hvor industri møder kunst, hvor arv omfavner innovation, og hvor miljøet bliver både inspiration og samarbejdspartner.
"Regenerering er en vigtig del af gæsteoplevelsen, hvor kunst og gæstfrihed mødes", siger David Lee fra vores partnere på Riverlee. "Vores dedikation til kunstprogrammet afspejler vores engagement i at skabe meningsfulde oplevelser, hvor natur, kultur og design flettes sammen."
Den vision blev til REGENERATION: The Art of Renewal, et kuratorisk samarbejde mellem Riverlee, One Design Office og DarkLab. Vejledt af One Design Office som både kuratorer og indretningsarkitekter blev kollektionen formet som en stille modstand mod overdrivelse, der favoriserer sjæl frem for skuespil.
I overensstemmelse med 1 Hotels' etos er hvert kunstværk stedsspecifikt, bæredygtigt udformet og forankret i stedet. Installationerne er vævet ind i lobbyen, restauranten og eventområderne og afspejler brandets engagement i lokal historiefortælling og gennemtænkt design. Sammen inviterer de gæsterne til at sætte farten ned, se nærmere på og genskabe forbindelsen til landet, kulturen og ånden på 1 Hotel Melbourne

Saltede sjæle af Vanessa Barragão

Dette rigt strukturerede uldtapet af den portugisiske kunstner Vanessa Barragão byder gæsterne velkommen i receptionen og henter inspiration fra Victorias klippebassiner og tangformationer. Dette rigt strukturerede billedtæppe, der er fremstillet helt i hånden ved hjælp af hækling, filtning og 60 kg upcyclet tekstilaffald, er en hyldest til Victorias kystlandskaber og fremkalder de tangformationer og livlige klippebassiner, der kendetegner regionen. Den portugisiske kunstner Vanessa Barragão har kaldt værket Salted Souls for at fremkalde de varige indtryk, som landskaber og oplevelser efterlader i os, ligesom salt, der krystalliserer over tid.

Salted Souls føles både gammel og levende. Hvad fik dig til at vælge teksturerne og rytmerne i Victorias kystlinje som dit udgangspunkt?

Selv om jeg ikke besøgte Victoria på min rejse til Australien, blev jeg virkelig inspireret af de billeder, jeg så af kystlinjen. Farverne, tangens former og de små økosystemer i klippebassinerne føltes så fulde af liv og bevægelse. De fik mig til at tænke på, hvordan hav og land altid er i forandring, men stadig rummer noget tidløst. Den følelse blev hos mig. Salted Souls var min måde at forbinde mig med den del af Australien og vise, hvordan naturen kan berøre os dybt, selv på lang afstand.

Din brug af upcyclede materialer forvandler affald til noget taktilt og intimt. Hvilke historier tror du, at kasserede fibre kan fortælle, når de får et nyt liv?

Jeg tror, at affaldsmaterialer har en skjult historie. De blev lavet med et formål og derefter glemt. Når jeg arbejder med disse materialer og bringer dem ind i nye kunstværker, føles det som at give dem en stemme igen. Det er en måde at vise, at der kan komme skønhed ud af det, vi smider væk. Disse materialer bærer på historier om forvandling. De viser, at vi kan skabe med et formål og respektere verden omkring os.

Synteser af Jamie North

I hotellets lysfyldte lobby udvisker Jamie Norths eroderede betonsøjler grænsen mellem arkitektur og skulptur. To tårnhøje søjler af eroderet beton, slagger og indfødte planter spejler selve hotellets bærende konstruktioner og fremkalder en poetisk dialog mellem den byggede form og den naturlige regenerering. Råheden i det blottede armeringsjern og blødheden i plantelivet skaber en sanselig meditation over tid, bæredygtighed og tilpasning, hvor indfødte australske planter fortsætter med at vokse og gradvist gør krav på mere af strukturen og forvandler værket løbende over tid. 

Disse søjler føles som hukommelse gjort til materiale - forvitret, rodfæstet og levende. Hvordan tænkte du på tid som samarbejdspartner i dette værk?

Time is an essential collaborator in all my work, but particularly with these columns. I think of them less as static objects and more as ongoing processes - structures that are incomplete without the slow, continuous influence of time. The materials themselves -concrete, blast furnace slag, native plants - already carry histories within them. They're fragments of ecological and industrial timelines.

Du har kaldt dit arbejde for en "dialog" mellem arkitektur og natur. Hvordan var de samtaler, da du skabte Syntheses til dette rum?

I Syntheses blev dialogen mellem arkitektur og natur formet lige så meget af stedet som af selve materialerne. Dette særlige sted bærer på sin egen hukommelse - det var engang en arbejdskaj, som nu er fyldt med genbrugte materialer fra både nærheden og længere væk. Den materielle historie blev en del af samtalen, og jeg ønskede, at værket skulle reagere på det.

Søjlerne er en slags ekko af stedets arkitektoniske sprog. De efterligner direkte de strukturelle søjler, der står ved siden af dem, men jeg har udhulet dem skulpturelt og tilføjet kompleksitet, så de kan blive animeret af planteliv. De anerkender det byggede miljø, samtidig med at de giver mulighed for, at noget organisk kan fortsætte og få fodfæste.

Suspenderede landskaber af Jamie North

I hotellets restaurant vender Jamie North tilbage med en skulpturel rumdeler, der føles mere som et levende landskab. Ved hjælp af støbte betonformer lavet af en blanding af højovnsslagge, kulaske og scoria-sten ser stenene ud til at svæve i luften, mens klatreplanter etablerer sig nedenunder og inviterer den naturlige verden til at interagere med den byggede. Indfødte slyngplanter vikler sig rundt om armeringsjern og ændrer rummet, efterhånden som de vokser - en stille, løbende fornyelse.

Suspended Landscapes synes at svæve mellem tilstande - vægt og vægtløshed, ødelæggelse og fornyelse. Hvordan fandt du balance i den spænding?

Suspended Landscape handlede om at holde modsatrettede kræfter i spænd - både materielt og konceptuelt. De støbte betonsten fremkalder masse, ruin og industrielle rester, men når de løftes på armeringsjern, svæver de et øjeblik vægtløse. Den modsigelse er central for værket. Jeg forsøgte ikke at løse den, men at give den form - at lade skulpturen eksistere i det ladede mellemrum. Planterne er nøglen til dette. Når de snor sig gennem stenene og stålet, introducerer de blødhed, skrøbelighed og tid. De både binder og forstyrrer kompositionen. I denne ustabile økologi er klipperne ikke inaktive; de har potentiale - ikke bare som symboler på sammenbrud, men som steder, hvor der kan ske en fornyelse. Det er i denne zone mellem ødelæggelse og fornyelse, tyngde og suspension, at værket begynder at føles levende.

Hvilken rolle spiller langsom transformation (som væksten af indfødte vinstokke) i din kreative proces?

Slow transformation is at the core of my creative process. In Suspended Landscape, and more broadly in my work, I’m not just creating static forms, I’m building sculptural systems designed to support plant life over time. The growth of native vines, for instance, isn’t an afterthought or embellishment; it’s integral to the work’s realisation. Their slow, unpredictable movement becomes a form of mark-making that activates and alters the sculpture long after it leaves the studio.
When I’m thinking through a sculpture, I try to shift perspective—to consider what the work needs from a non-human point of view. What conditions will allow the plants to take hold, to persist, to thrive? That kind of thinking transforms the sculptural process. It becomes less about imposing form and more about creating a structure that can accommodate growth, and change.

Milŋiyawuy - Mælkevejen af Naminapu Maymuru-White

Ved siden af trappen rejser sig syv håndmalede Larrakitj-mindepæle, der er malet med traditionelle Yolŋu-jordpigmenter. Deres himmelske design refererer til Mælkevejen og forfædrenes sanglinjer, der forbinder kosmos med Birrarung (Yarra-floden). Denne installation bygger bro mellem oprindelig viden, åndelig hukommelse og stedsbaseret historiefortælling med udgangspunkt i småsten fra Arnhem Land. Installationen har en spirituel forbindelse til Country og forankrer denne himmelske historie i både sted og tilstedeværelse.

Hvordan griber du det an at skabe et værk, der både er et spirituelt tilbud og en moderne offentlig installation?

“These paintings show the sacred songs story about the establishment of my homeland Djarrakpi for the Maŋgalili clan in ancient times. This was given to me by my father, and he told me to hold it strong and to pass it on. This is what I have been doing. This is not just a pretty picture or a nice story. This is the truth. It is a reality for us. I am inspired every day by the beauty of the world around me and the stars themselves. I paint what is true. I feel this sacredness. I am painting to try and share that feeling with people who don’t know about it. I want them to feel how special this is.”

Strålefinnen af Yhonnie Scarce

Hængt op over hovedet skinner 1.100 mundblæste glaselementer i det blanke lys. Dette æteriske værk hylder glasålens vandring fra havet til ferskvandet i Birrarung, hvis modstandsdygtighed og formskiftende former er udtryk for overlevelse og transformation. Den oprindelige kunstner Yhonnie Scarce trækker på dybe forbindelser til landet og reflekterer over, hvordan traditionel viden tilpasser sig og holder ud i moderne landskaber.

The Ray Fin fanger ålens modstandsdygtighed og mystik. Hvad ville du have, at denne migrationshistorie skulle vække i seerne?

Det er vigtigt at bemærke, hvor meget aktivitet der foregår under overfladen af vores vandveje. Havdyr som glasålene tilbagelægger store afstande for at nå frem til deres bestemmelsessted og må ofte kæmpe med havaffald, rovdyr og fiskeindustrien.
Glasålene er modstandsdygtige væsener og "flyver" under radaren, når de migrerer, og jeg er fuldstændig betaget af deres glans. De tilpasser sig deres omgivelser og kan rejse på land, når de bliver voksne. Jeg håber, at seerne kan se, hvor vigtige de er, og at de får en fornemmelse af, hvordan kunstværket afspejler bevægelserne hos sådan et vidunderligt væsen. 

Glas er både skrøbeligt og skarpt. Hvordan afspejler dette materialevalg de historier og økologier, du ofte udforsker i dit arbejde?

Glas ses ofte som et skrøbeligt materiale, men jeg synes, det er et stærkt medie til at repræsentere aboriginere. Glas repræsenterer modstandsdygtighed, skønhed og styrke i de værker, jeg laver. Når alt kommer til alt, er det, hvem vi er, det er den måde, vi praktiserer kultur på, og på trods af at vi kæmper med de vedvarende virkninger af koloniseringen, er vi her stadig.

Et kreativt økosystem med rødder i stedet

Kunstprogrammet på 1 Hotel Melbourne afspejler en by, der er kendt for sin kreative kant og miljøbevidsthed. Men mere end det afspejler det en filosofi: at skønhed kan opstå fra det, der er efterladt, at kultur er et levende system, og at gæstfrihed kan være en form for historiefortælling.

Hvert kunstværk er en tråd i hotellets større struktur - en invitation til at se, føle og tænke anderledes om de rum, vi bor i, og den verden, vi er med til at forme. På 1 Hotel Melbourne inviterer vi dig til at blive, sætte farten ned og genoprette forbindelsen - ikke bare med vores vægge, men med det land og de historier, der giver dem liv.