Eine kreative Reise durch 1 Hotel Melbourne

Im „ 1 Hotel “Melbourne ist Kunst kein Nebengedanke, sondern eine Philosophie. Das Kunstprogramm des Hotels basiert auf dem Konzept der Regeneration und erkundet die Zyklen der Erneuerung, Widerstandsfähigkeit und Transformation, die sowohl die Natur als auch die Kultur prägen. Das Hotel befindet sich im restaurierten Güterbahnhof Nr. 5 am Ufer des Yarra River und steht an einer einzigartigen Schnittstelle Melbourne : dort, wo Industrie auf Kunst trifft, wo Tradition Innovation umarmt und wo die Umwelt sowohl Inspiration als auch Mitgestalterin ist. 
„Regeneration ist ein wesentlicher Bestandteil des Gästeerlebnisses, bei dem Kunst und Gastlichkeit zusammenkommen“, sagt David Lee von unserem Partner Riverlee. „Unser Engagement für das Kunstprogramm spiegelt unser Bestreben wider, bedeutungsvolle Erlebnisse zu schaffen, in denen sich Natur, Kultur und Design miteinander verflechten.“
Aus dieser Vision entstand „REGENERATION: The Art of Renewal“, eine kuratorische Zusammenarbeit zwischen Riverlee, One Design Office und DarkLab. Unter der Leitung von One Design Office, das sowohl als Kurator als auch als Innenarchitekt fungierte, wurde die Sammlung als stiller Widerstand gegen den Überfluss gestaltet, wobei die Seele Vorrang vor dem Spektakel hat.
Getreu dem Ethos von „ 1 Hotels “ ist jedes Kunstwerk ortsspezifisch, nachhaltig gefertigt und in den Ort verwurzelt. Die Installationen, die sich durch die Lobby, das Restaurant und die Veranstaltungsräume ziehen, spiegeln das Engagement der Marke für lokales Storytelling und durchdachtes Design wider. Gemeinsam laden sie die Gäste dazu ein, einen Gang herunterzuschalten, genauer hinzuschauen und sich wieder mit dem Land, der Kultur und dem Geist von „ 1 Hotel “ zu verbinden.Melbourne

„Salted Souls“ von Vanessa Barragão

Dieser strukturreiche Wollwandteppich der portugiesischen Künstlerin Vanessa Barragão, der die Gäste an der Rezeption begrüßt, ist von den Felsenbecken und Seetangformationen Victorias inspiriert. Der vollständig von Hand durch Häkeln, Filzen und unter Verwendung von 60 kg upgecycelten Textilabfällen gefertigte, strukturreiche Wandteppich ist eine Hommage an die Küstenlandschaften Victorias und erinnert an die Seetangformationen und lebhaften Felsenbecken, die für die Region charakteristisch sind. Die portugiesische Künstlerin Vanessa Barragão gab dem Werk den Titel „Salted Souls“, um die bleibenden Eindrücke zu beschwören, die Landschaften und Erlebnisse in uns hinterlassen – so wie Salz, das im Laufe der Zeit kristallisiert.

„Salted Souls“ wirkt zugleich uralt und lebendig. Was hat Sie dazu bewogen, die Strukturen und Rhythmen der Küste von Victoria als Ausgangspunkt zu wählen?

Auch wenn ich während meiner Australienreise nicht in Victoria war, haben mich die Fotos, die ich von der Küste gesehen habe, sehr inspiriert. Die Farben, die Formen der Algen und die kleinen Ökosysteme in den Gezeitentümpeln wirkten so voller Leben und Bewegung. Sie haben mich dazu gebracht, darüber nachzudenken, wie sich Meer und Land ständig verändern, aber dennoch etwas Zeitloses in sich tragen. Dieses Gefühl hat mich nicht mehr losgelassen. Mit „Salted Souls“ wollte ich eine Verbindung zu diesem Teil Australiens herstellen und zeigen, wie sehr uns die Natur tief berühren kann – selbst aus der Ferne.

Durch die Verwendung von Upcycling-Materialien verwandeln Sie Abfall in etwas Haptisches und Intimes. Welche Geschichten können ausrangierte Fasern Ihrer Meinung nach erzählen, wenn man ihnen ein zweites Leben schenkt?

Ich glaube, dass Abfallmaterialien eine verborgene Geschichte haben. Sie wurden mit einer bestimmten Absicht hergestellt und dann vergessen. Wenn ich mit diesen Fasern arbeite und sie in neue Kunstwerke einbaue, habe ich das Gefühl, ihnen wieder eine Stimme zu geben. Auf diese Weise kann ich zeigen, dass aus dem, was wir wegwerfen, Schönheit entstehen kann. Diese Materialien erzählen Geschichten der Verwandlung. Sie zeigen, dass wir zielgerichtet gestalten und dabei die Welt um uns herum respektieren können.

Zusammenfassungen von Jamie North

In der lichtdurchfluteten Lobby des Hotels lassen Jamie Norths erodierte Betonsäulen die Grenze zwischen Architektur und Skulptur verschwimmen. Zwei hoch aufragende Säulen aus verwittertem Beton, Schlacke und einheimischen Pflanzen spiegeln die tragenden Elemente des Hotels selbst wider und rufen einen poetischen Dialog zwischen gebauter Form und natürlicher Regeneration hervor. Die Rohheit der freiliegenden Stahlbewehrung und die Sanftheit der Pflanzen schaffen eine sinnliche Meditation über Zeit, Nachhaltigkeit und Anpassung, wobei die einheimischen australischen Pflanzen weiterwachsen und nach und nach immer mehr Raum der Struktur einnehmen, wodurch sich das Kunstwerk im Laufe der Zeit kontinuierlich wandelt. 

Diese Säulen wirken wie verkörperte Erinnerung – verwittert, verwurzelt und lebendig. Wie haben Sie Zeit als Mitgestalter dieses Werks betrachtet?

Die Zeit ist ein wesentlicher Partner in meiner Arbeit all , insbesondere aber bei diesen Säulen. Ich betrachte sie weniger als statische Objekte, sondern vielmehr als fortlaufende Prozesse – Strukturen, die ohne den langsamen, kontinuierlichen Einfluss der Zeit unvollständig wären. Die Materialien selbst – Beton, Hochofenschlacke, einheimische Pflanzen – tragen bereits Geschichten in sich. Sie sind Fragmente ökologischer und industrieller Zeitachsen.

Sie haben Ihre Arbeit als „Dialog“ zwischen Architektur und Natur bezeichnet. Wie sahen diese Gespräche während der Entstehung von „Syntheses“ für diesen Raum aus?

In „Syntheses“ wurde der Dialog zwischen Architektur und Natur ebenso sehr vom Standort wie von den Materialien selbst geprägt. Dieser besondere Ort trägt seine eigene Geschichte in sich – einst ein aktiver Kai, heute mit wiederverwendeten Materialien aus der näheren und weiteren Umgebung überlagert. Diese materielle Geschichte wurde Teil des Dialogs, und ich wollte, dass das Werk darauf eingeht.

Die Säulen sind gewissermaßen ein Echo der architektonischen Sprache des Ortes. Sie ahmen die neben ihnen stehenden tragenden Säulen direkt nach, doch habe ich ihnen durch skulpturale Bearbeitung eine gewisse Erosion verliehen und ihnen mehr Komplexität verliehen, sodass sie durch die Pflanzenwelt zum Leben erweckt werden. Sie nehmen Bezug auf die bebaute Umgebung und lassen gleichzeitig zu, dass etwas Organisches fortbesteht und Fuß fasst.

„Suspended Landscapes“ von Jamie North

Im Restaurant des Hotels kehrt Jamie North mit einem skulpturalen Raumteiler zurück, der eher wie eine lebendige Landschaft wirkt. Die aus einer Mischung aus Hochofenschlacke, Kohleasche und Schlackengestein gegossenen Betonformen wirken, als würden sie in der Luft schweben, während sich darunter Kletterpflanzen festsetzen und so die Natur in den gebauten Raum einbeziehen. Einheimische Reben winden sich um Stahlstützen und verändern den Raum im Laufe ihres Wachstums – ein stiller, fortwährender Akt der Erneuerung.

„Suspended Landscapes“ scheinen zwischen verschiedenen Zuständen zu schweben – zwischen Schwere und Schwerelosigkeit, zwischen Verfall und Erneuerung. Wie haben Sie in dieser Spannung ein Gleichgewicht gefunden?

Bei „Suspended Landscape“ ging es darum, gegensätzliche Kräfte im Spannungsfeld zu halten – sowohl materiell als auch konzeptionell. Die gegossenen Betonfelsen erinnern an Masse, Ruinen und industrielle Rückstände, doch indem man sie auf Bewehrungsstäbe hebt, lassen sie schweben, für einen Moment schwerelos. Dieser Widerspruch steht im Mittelpunkt des Werks. Ich habe nicht versucht, ihn aufzulösen, sondern ihm Gestalt zu geben – die Skulptur in diesem aufgeladenen Zwischenraum existieren zu lassen. Die Pflanzen spielen dabei eine Schlüsselrolle. Indem sie sich durch die Felsen und den Stahl schlängeln, bringen sie Weichheit, Zerbrechlichkeit und Zeit ins Spiel. Sie verbinden die Komposition und zerbrechen sie zugleich. In dieser instabilen Ökologie sind die Felsen nicht träge; sie bergen Potenzial – nicht nur als Symbole des Zusammenbruchs, sondern als Orte der Regeneration. In dieser Zone zwischen Ruine und Erneuerung, Schwere und Schwebezustand beginnt das Werk, lebendig zu wirken.

Welche Rolle spielt ein langsamer Wandel (wie das Wachstum einheimischer Reben) in Ihrem kreativen Prozess?

Der langsame Wandel steht im Mittelpunkt meines kreativen Prozesses. In „Suspended Landscape“ und ganz allgemein in meinem Schaffen schaffe ich nicht nur statische Formen, sondern baue skulpturale Systeme, die darauf ausgelegt sind, Pflanzenleben über einen längeren Zeitraum hinweg zu stützen. Das Wachstum einheimischer Kletterpflanzen ist zum Beispiel kein nachträglicher Einfall oder eine Verzierung; es ist integraler Bestandteil der Verwirklichung des Werks. Ihre langsame, unvorhersehbare Bewegung wird zu einer Form der Spurenbildung, die die Skulptur noch lange nach ihrem Verlassen des Ateliers belebt und verändert.
Wenn ich eine Skulptur durchdenke, vers try e ich, die Perspektive zu wechseln – zu überlegen, was das Werk aus einer nicht-menschlichen Sichtweise heraus benötigt. Welche Bedingungen ermöglichen es den Pflanzen, Fuß zu fassen, zu bestehen und zu gedeihen? Diese Art des Denkens verändert den skulpturalen Prozess. Es geht weniger darum, eine Form aufzuzwingen, als vielmehr darum, eine Struktur zu schaffen, die Wachstum und Veränderung zulässt.

Milŋiyawuy – Die Milchstraße von Naminapu Maymuru-White

Neben der Treppe ragen sieben handbemalte Larrakitj-Gedenkpfähle empor, die mit traditionellen Yolŋu-Erdpigmenten gestaltet sind. Ihr himmlisches Design verweist auf die Milchstraße und die Songlines der Ahnen und verbindet den Kosmos mit dem Birrarung (Yarra River). Diese Installation schlägt eine Brücke zwischen indigenem Wissen, spirituellem Gedächtnis und ortsbezogener Erzählkunst, verankert durch Kieselsteine aus Arnhem Land. Die Installation steht in spiritueller Verbindung zum Land und verankert diese himmlische Geschichte sowohl im Ort als auch in der Gegenwart.

Wie gehen Sie bei der Schaffung eines Werks vor, das sowohl ein spirituelles Opfer als auch eine zeitgenössische öffentliche Installation ist?

„Diese Gemälde zeigen die Geschichte der heiligen Lieder über die Gründung meiner Heimat Djarrakpi für den Maŋgalili-Clan in alten Zeiten. Das wurde mir von meinem Vater überliefert, und er sagte mir, ich solle daran festhalten und es weitergeben. Genau das tue ich. Das ist nicht nur ein hübsches Bild oder eine schöne Geschichte. Das ist die Wahrheit. Für uns ist es Realität. Ich lasse mich jeden Tag von der Schönheit der Welt um mich herum und von den Sternen selbst inspirieren. Ich male, was wahr ist. Ich spüre diese Heiligkeit. Ich male, um try dieses Gefühl mit Menschen zu teilen, die nichts davon wissen. Ich möchte, dass sie spüren, wie besonders das ist.“

„The Ray Fin“ von Yhonnie Scarce

1.100 mundgeblasene Glaselemente, die von der Decke herabhängen, schimmern im einfallenden Licht. Dieses ätherische Kunstwerk würdigt die Wanderung der Glasaale vom Meer in die Süßgewässer des Birrarung, deren Widerstandsfähigkeit und wandelbare Formen für Überleben und Verwandlung stehen. Die indigene Künstlerin Yhonnie Scarce greift auf ihre tiefe Verbundenheit mit dem Land zurück und reflektiert darüber, wie sich traditionelles Wissen an moderne Landschaften anpasst und in ihnen fortbesteht.

„The Ray Fin“ fängt die Widerstandsfähigkeit und das Geheimnisvolle des Aals ein. Was wollten Sie mit dieser Geschichte über die Wanderung bei den Zuschauern wecken?

Es ist wichtig zu beachten, wie viel Leben sich unter der Oberfläche unserer Gewässer abspielt. Meereslebewesen wie die Glasaale legen große Entfernungen zurück, um ihr Ziel zu erreichen, und müssen dabei oft mit Meeresmüll, Raubtieren und der Fischereiindustrie fertig werden.
Glasaale sind widerstandsfähige Lebewesen, die bei ihrer Wanderung „unter dem Radar fliegen“, und ich bin zutiefst beeindruckt von ihrer Genialität. Sie passen sich ihrer Umgebung an und können sich, sobald sie ausgewachsen sind, auch an Land fortbewegen. Ich hoffe, dass die Betrachter erkennen, wie wichtig sie sind, und ein Gespür dafür bekommen, wie das Kunstwerk die Bewegungen dieses wunderbaren Lebewesens widerspiegelt. 

Glas ist sowohl zerbrechlich als auch scharf. Inwiefern spiegelt diese Materialwahl die historischen und ökologischen Themen wider, mit denen Sie sich in Ihren Arbeiten häufig auseinandersetzen?

Glas wird oft als zerbrechliches Material angesehen, aber ich halte es für ein ausdrucksstarkes Medium, um die indigene Bevölkerung darzustellen. In meinen Werken steht Glas für Widerstandsfähigkeit, Schönheit und Stärke. Letztendlich spiegelt es wider, wer wir sind und wie wir unsere Kultur leben – und trotz der anhaltenden Auswirkungen der Kolonialisierung sind wir immer noch hier.

Ein kreatives Ökosystem, das fest in der Region verwurzelt ist

Das Kunstprogramm der „ 1 Hotel “ (Melbourne ) spiegelt eine Stadt wider, die für ihre kreative Vorreiterrolle und ihr Umweltbewusstsein bekannt ist. Doch darüber hinaus spiegelt es eine Philosophie wider: dass Schönheit aus dem entstehen kann, was zurückbleibt, dass Kultur ein lebendiges System ist und dass Gastfreundschaft eine Form des Geschichtenerzählens sein kann.

Jedes Kunstwerk ist ein Faden im großen Gesamtgefüge des Hotels – eine Einladung, die Räume, in denen wir leben, und die Welt, die wir mitgestalten, mit anderen Augen zu sehen, anders zu spüren und anders darüber nachzudenken. Im „ 1 Hotel “Melbourneladen wir Sie ein, bei uns zu übernachten, einen Gang herunterzuschalten und wieder eine Verbindung herzustellen – nicht nur zu unseren Wänden, sondern auch zu dem Land und den Geschichten, die ihnen Leben einhauchen.